A finales del siglo XIX, los años dorados del salitre, el Presidente José Manuel Balmaceda propugna un alza de impuestos a las salitreras para financiar necesarios planes de gobierno que beneficiarían directamente a la población de la zona central del país. Esto no agradó a prominentes congresistas que mantenían negocios con comerciantes ingleses dueños de las salitreras ubicadas en los nuevos territorios del norte anexados tras la guerra del pacífico. A raíz de esto se organiza una facción congresista que crea una Junta Provisional de Gobierno con sede en Iquique y acusa a Balmaceda de anticonstitucional.

Pedro Montt (el mismo de la famosa calle de Valparaíso), quien en el gobierno de Balmaceda fue ministro de Justicia y Educación, de Industria y Obras Públicas y también de Hacienda, traiciona a su presidente y abandona sus deberes para unirse a la facción congresista atrincherada en Iquique. Por su parte el militar Roberto Silva Renard hace lo mismo y abandona sus obligaciones como miembro del Estado Mayor de la guarnición militar de Santiago para embarcarse clandestinamente al norte del país y unirse a las tropas rebeldes acantonadas en Tarapacá. Así se da comienzo a la única “guerra civil” de nuestro país que dejó más de 10 mil chilenos muertos y ningún comerciante inglés.

Tras la derrota de Balmaceda se mantiene el status quo salitrero, y se produce el ascenso meteórico de Silva Renard en el ámbito militar y de Pedro Montt en el político.

Pedro Montt, ya olvidada su traición, corona su carrera política y llega a la presidencia para gobernar entre 1906 y 1910. Renard es ascendido en varias ocasiones y es nombrado en 1897 jefe de la Primera Zona Militar y Comandante General de Armas de Tarapacá. El 19 de diciembre de 1907, Silva Renard arriba a Iquique a bordo del buque Zenteno acompañado de tropas del Regimiento O’Higgins debido a la más grande huelga salitrera registrada hasta el momento. Su misión, a petición del Ministro del Interior Rafael Sotomayor, es decretar Estado de Sitio en la Provincia de Tarapacá. Dos días después el Intendente de la Región, Carlos Eastmann, ordeba a Silva Renard que saque a los obreros de la Escuela Santa María de Iquique y los traslade al hipódromo de la ciudad.

Tras la negativa de los obreros de abandonar la escuela, y ya preparadas las fosas comunes, Roberto Silva Renard a las 15.45 horas, ordena a las tropas del Regimiento O’Higgins atacar con fuego de ametralladoras a los más de 10 mil obreros refugiados en la Escuela Santa María, produciéndose la mayor matanza inscrita en nuestra corta historia nacional.

Siete años después, el 14 de diciembre de 1914, a eso de las 10 de la mañana, el general Roberto Silva Renard caminaba tranquilamente por las inmediaciones del Parque Cousiño, cuando abruptamente y sin previo aviso recibió dos puñaladas por la espalda, la primera a la altura de los riñones y la segunda a la altura de su oreja izquierda. Su agresor, Antonio Ramón Ramón, al ver lo que había hecho y escuchar los gritos desesperados de Renard, retrocedió unos pasos, arrojó su daga al piso y se lanzó a correr en una alocada huída que acabaría con su captura unas cuadras más allá.

El general Silva Renard en ese momento era director de la Fábrica de Cartuchos del Ejército. Ramón Ramón era un español sin linaje aristocrático, obrero, soltero, y de carácter más bien reservado que declaró en el juicio: “Yo soy el autor de las lesiones del general y las he perpetrado en venganza por haber sido el general Silva Renard quien dirigió el fuego contra los obreros asilados en la Escuela Santa María, en Iquique, entre los cuales estaba mi hermano ilegítimo Manuel Vaca, que pereció a consecuencia de la descarga de la tropa. Este hermano era el único pariente varón que tenía y por ese motivo pensé en vengarme del jefe que comandaba las tropas que lo mataron. No conocía al general Silva Renard pero en Iquique había oído en repetidas ocasiones que había sido él el asesino de miles de obreros, entre los cuales estaba mi hermano y desde entonces tuve el proyecto de vengarme del general”.

Manuel Ramón Ramón fue condenado a 5 años de prisión. Roberto Silva Renard murió en 1920 en Viña del Mar, afectado seriamente por las lesiones tras el ataque de 1914 y Pedro Montt se inscribió en la memoria colectiva tras ser bautizada con su nombre una de las calles más famosas de Valparaíso.

Por Waldo Burgos

“Las provincias de Chile son las subdivisiones territoriales intermedias del pais, inferiores a las regiones y superiores a las comunas.” Muchas cosas suelen ocurrir en la provincia. Mientras tanto mi madre me manda a comprar medio kilo de pan para la once y un poco de mortadela lisa allá por los noventas bien nirvaneados, dentro de un oscuro buque gris rumbo calle Pedro Montt esquina Las Heras.

Si, si, tambien allá por los ochenta mi abuela Ana me mandaba a comprar pan a la esquina, en la panadería no sé cuánto en calle Alcalde Barrios 191. Recuerdo ese pan, esas hallullas saliendo calientitas del horno metálico, y un té con leche que me paraba los pelos de punta, escuchando las olas de fondo, allá en Las Torpederas.

Y la provincia también fueron balazos, cortes de luz, encapuchados, lectores de noticias en la tv dictatorial, y el tirano que día tras día quería ser reina, reina del imperio bosquoso del sur. Y yo a mis doce años me conformaba con una buena once y salir a jugar con mis amigos al cerro de calle Carampangue, a robar frutos secos, almendras partidas y cuescos de zarzamoras.

La provincia me habitó en el pan, la harina, los perros ladrando, los cuantificables planetas del hemisferio y en aquellos ataúdes flotantes que salían a viajar en noches de luna llena desde el Cementerio Nº3 de Playa Ancha.

Las provincias son como las familias, me refiero a las familias chilenas. Algunas bien constituidas y otras no tanto. Las provincias son como las putas, como las putas de un puerto que ya no existe existiendo en mi memoria de largo plazo, pero que una vez inventó una calle llamada barrio chino y la avenida siete espejos, en donde seguramente mi padre Alejandro Ugalde Silva bailó hasta el amanacer abrazado de alguna puta triste mientras le juraba amor eterno de mentira virginal.

Las provincias son como las playas, pero sin cadáveres por supuesto. Algunos bañistas de la capital no conocen cómo funcionan las marejadas de la costa y cada verano hay que lamentar decesos por inmersión en playas relativamente “seguras”.

Cada uno de ustedes lleva tatuada la provincia en algún lugar del cuerpo, puede ser un dragón en la espalda o mariposas en los ojos. La provincia es un pico y zorra escrito en aquel cemento fresco de cualquier calle de nuestras mugrosas ciudades. La provincia es hechar un par de cachas escondido en los matorrales de cualquier cerro del gran Valparaíso.

Y el semen? Bueno el semen serán los futuros hijos de la provincia.

Como tú, como yo.

Amén.

Por Felipe Ugalde

De acuerdo a la historia, “Alimapu”, voz mapuche compuesta de “ali” (caliente, quemado, seco) y “mapu” (tierra), era como llamaban los indios changos a la bahía porteña, por el color arcilloso de sus cerros.

Este origen ha sido aceptado como la verdad oficial, a pesar de la existencia de otra versión del nacimiento del nombre “Alimapu”, y que tiene que ver con un dantesco episodio vivido en Valparaíso tras el “choque de civilizaciones” iniciado en 1492.

Partamos por la versión oficial. Cuando los españoles llegaron hasta los parajes que hoy se conocen como Concón, Viña del Mar y Valparaíso, encontraron a varios grupos de indios, todos pescadores, habitando los distintos recovecos que la tierra formaba frente al imponente océano.

Estas tribus correspondían a los changos, conocidos por sus famosas barcas de cuero de lobo marino inflado, que utilizaban para navegar y pescar con gran destreza, y que tenían su ubicación en el territorio que hoy es la Cuarta y Quinta Región. A ellos se debería este primer nombre de Valparaíso: “Alimapu”. Según los libros de historia, aún no existe claridad sobre la extensión que este vocablo tenía, territorialmente hablando. Algunos señalan que los indios reconocían como Alimapu a toda la cuenca que se extiende desde Concón a Curaumilla, pero otros señalan que el nombre se refería a la caleta original de los changos, e incluso, a toda la bahía de Valparaíso.

La traducción al español de Alimapu nos indica una composición de dos partes: “ali”, que significa “muy seco, caliente, quemado”, y “mapu”, que es “tierra, país”. En ese sentido, existe evidencia científica que confirma que antes de ser una ciudad, esta zona de Valparaíso presentaba en sus cerros una alta presencia de arcilla, cuyo color rojo podría haber llevado a los changos a llamar “tierra quemada” o “tierra seca” a la bahía.

Esta condición cambiaba a medida que se avanzaba más al Norte, donde la vegetación empezaba a aparecer junto con grandes bosques, al percibir la llegada de la desembocadura del Río Aconcagua, en Concón, por lo que es factible pensar que Alimapu fue el primer nombre de Valparaíso, vigente aún a la llegada de los españoles.

El arribo de estos invasores a la bahía significó el destierro de los changos de los parajes hoy porteños. Ello implicó que el vocablo Alimapu desapareciera del uso común, algo que no sucedió con otros lugares a los que los indios llegaron huyendo de los españoles: los nombres de Concón y Cochoa permanecen hasta hoy como nítido testimonio de la presencia indígena en nuestras costas y muestran el camino que tomaron estos antepasados en su huida de los invasores.

LA OTRA VERSIÓN

Valparaíso hoy necesita ser una postal casi perfecta. Por eso no sonaría muy bonito para los catálogos turísticos del patrimonio decir que el nombre Alimapu se debe en realidad a una terrible masacre perpetrada por los españoles, a su llegada a la bahía del “Quintil”, verdadero primer nombre de Valparaíso. Definitivamente, es más conveniente el cuento del rojo natural de los cerros y la arcilla.

Esta historia apareció una noche conversando con un amigo muy instruido en el tema indígena-histórico. Comentábamos el tema. La historia él la escuchó de su abuelo. Decía relación con que el asentamiento chango, una vez localizado por los españoles, había sido tomado por asalto, arrasado y quemado completamente, y cuando se dice “completamente”, no se exagera: hombres, mujeres, niños y ancianos fueron quemados vivos en sus chozas. Sólo se salvaron algunos animales. Claro, “tierra quemada”, pero en el nombre del padre, del hijo y el espíritu santo. Armas de filo contra disparos.

Seguramente, decía mi amigo, el “Alimapu” que escucharon los españoles más civilizados que llegaron después de esta macabra irrupción era una especie de trágica advertencia entre indios, para referirse a la tierra arrasada por el fuego del brutal hombre barbudo. La historia oficial – muy a su pesar – entrega luces afirmativas al respecto: “el nombre de Quintil es en verdad el primer nombre que tuvo Valparaíso. El origen del nombre Alimapu, no está claro, pero es posterior a Quintil”. ¿No está claro o no conviene que se sepa?

En los libros de historia campea el ninguneo absoluto a los pueblos originarios. Se habla de las hazañas inevitables de Lautaro y Caupolicán, pero su espíritu libertario está desaparecido, abducido. Todos están convencidos que Chile nace en 1810. Ignorancia absoluta. Chile existía mucho antes y es un nombre indígena. Chile no nace con la llegada de los españoles, ya estaba a su llegada. Pero la historia coloca a éstos como forjadores definitivos del país.

Lamentablemente, los conquistadores que llegaron a América al comienzo eran en su mayoría delincuentes comunes, condenados a muerte, violadores y mercenarios. De ahí la crueldad con que actuaron y las enfermedades que contagiaron. Hoy, gracias al valor de plumas como la de Eduardo Galeano, conocemos el horror vivido por nuestros pueblos originarios frente a este ejército con armadura y fuego. Tortura, inquisición, violaciones, aldeas quemadas, masacre de todo un pueblo. Ocultamiento, tergiversación, ninguneo. Historia al gusto de los vencedores.

Por Leo Ricatti

Fotos: Celebración We Tripantu escuela Federico Albert, cerro Pajonal + paisaje de Papudo.

Hace un par de semanas, en Interludio Restaurant (Merced 316), finalizó la exposición (que podríamos decir que eran dos) del artista Francisco Papas Fritas. Similares en su concepción y en la forma (se trataba de una muestra pictórica), pero distantes por su estructura ideológicamente helicoidal, los espectadores pudieron apreciar la singular expresión del arrebato y la labor concienzuda de un autor entre autores.

Lo que hice en mis vacaciones

Hablé de dos exposiciones en una, algo ambicioso, pero no tanto. En esta sección, muletilla para no cuadrarme con los designios de la crítica, se puede ver el afán de un autor que de manera apacible une íconos de la cultura popular, junto a personajes definitivamente siniestros, en un campo articulado por la manifestación del color y su ritmo monótono. Se desvive Papas Fritas, quizás por qué oculta maña, en atar el autorretrato con la frialdad ecuánime de los retratados. En un largo desfile de personalidades acorraladas en el gesto del artista, se pueden apreciar, sin mayor sobresalto, a un asesino en serie, a un ex presidente, al Papa actual, al ideólogo de la constitución chilena de 1980, a Darth Vader y a los hermanos Marx. La ironía, lo repito, es gestual.

Mis amigos de Facebook

En esta otra sección (sin tener la menor intención de diseccionar la obra a partir de la teoría) se debaten, como si nada, una turba de retratados dispuestos a enriquecer el dispositivo textual del artista. Digo esto sin ninguna propiedad. Subyace el texto, con la impostura de quien evita cuadrarse con el lenguaje, como una forma de reconocimiento con esta tropa de espectros. Michel Foucault, Nicanor Parra, Emma Goldman, el Subcomandante Marcos, Ho Shi Ming, Gilles Deleuze, Clotario Blest, Jacques Lacan y un largo etcétera prefiguran el tono, nada discursivo, del planteamiento dado por el enunciado. Estos son los amigos de Facebook. Por descuido olvido a otros notables retratados, no por dejadez. Qué decir. Papas Fritas es un autor fundamental, una piedra en el zapato para los prestidigitadores encerrados en las galerías de arte.

En Chile el código de aguas formulado el año 1981, se encargó de separar la propiedad del agua del dominio de la tierra, dando origen al mercado del agua; en rigor, Chile es el único país del mundo que tiene sus aguas privatizadas, lo que a nuestro juicio, clara e inequívocamente, ha provocado enormes desigualdades, particularmente en el sector agrícola.

La formulación del código de aguas, le transfirió al Estado la facultad de conceder derechos de aprovechamiento de agua a privados, los que desde entonces, concurren al mercado a comprar, vender o arrendar agua, en detrimento de la satisfacción de las necesidades de agua de riego o bebida para la población.

En la provincia de Petorca, V región, particularmente en las comunas de La Ligua, Cabildo y Petorca, comunas con una marcada vocación agrícola, el modelo de producción se caracteriza básicamente por el monocultivo como estrategia de desarrollo (paltos), por el uso intensivo e irracional de recursos naturales finitos, agua y suelo, y por la sobrequimización de los medios de cultivo. En nuestra provincia, los ríos Petorca y Ligua, se encuentran declarados agotados desde el año 1997 y 2004 respectivamente, sin embargo la Dirección Regional de Aguas continuó concediendo derechos de aprovechamiento.

La falta de instrumentos de ordenamiento territorial, ha posibilitado la plantación de paltos en suelos sin aptitud de cultivo, afectando de forma irreversible las plantaciones y siembras de suelos que teniendo aptitud de cultivo, hoy no tienen agua, básicamente porque las aguas “se encuentran en la punta de los cerros”.

Como organización hemos concurrido a los diferentes escenarios de la vida provincial, regional y nacional, a denunciar la usurpación de aguas que políticos y empresarios cometen y han cometido de forma impune en las hoyas de los ríos Petorca y Ligua, práctica delictual que tiene por finalidad salvaguardar sus inversiones y aumentar la plusvalía que genera el uso intensivo e irracional de recursos naturales que se agotan.

En la provincia de Petorca la usurpación de aguas se encuentra absolutamente confirmada, decenas de resoluciones de la Dirección Regional de Aguas confirman el delito, la usurpación de aguas no tiene distingos ideológicos, tampoco los que sufren los efectos de esta práctica ilegal.

Desde la provincia de Petorca hemos visibilizado el conflicto de las aguas que se vive en todo el país. Políticos y empresarios poderosos señalan que nuestra organización es de corte radical y se justifican sosteniendo que las denuncias son una persecución política, inspirada por intereses de protagonismo político.

Del mismo modo, los usurpadores de aguas, no han trepidado en tildarnos de violentistas o subversivos, y lo han hecho los directamente involucrados en el robo de aguas, y también sus voceros, en Chile, criminalizar a los que luchan se ha transformado en un axioma inmutable.

A la opinión pública Provincial, Regional y Nacional queremos señalarle una vez más que luchamos por principios y convicción, nada de lo que hagan o digan los que usurpan agua, nos apartará un ápice de los objetivos trazados como organización, recuperar el agua para todas y todos, restituir la propiedad del agua al dominio de la tierra, terminar con la mercantilización de un bien nacional que debe ser de uso y dominio público, recuperar nuestra soberanía sobre un recurso indispensable para la vida de las personas.

El agua es un Derecho Humano, y los que la usurpan cometen delitos de lesa humanidad, delitos que atentan contra la vida de las generaciones presentes, y también futuras, al concluir, sabemos que la mano artera y cobarde espera agazapada para deslegitimar la lucha que hemos emprendido, no importa, seguiremos adelante con más fuerza, seguiremos adelante con mayor convicción, no bajaremos la intensidad de nuestro accionar, vamos a sumar, unir, crecer en organización y conciencia, para que nunca más, una ciudadana o ciudadano chileno, deba vivir en la ignominia de no tener agua para sus necesidades básicas. Fuerza y valor para todas y todos.

DIRECTIVA MODATIMA

Foto: LaLigua.cl

El análisis de la votación on line en el Plebiscito Nacional por la Salud arroja, como primera conclusión, que el 99,2% de los sufragantes considera que la Salud debe ser un derecho garantizado por la Constitución.

Así se desprende de los resultados en los que votaron, según los registros de Voto Ciudadano y Nic Research Labs de la Universidad de Chile, 30.858 personas.

Según los resultados, 30.607 personas (99,2% ) se manifestaron por esta opción, en tanto que 251 (0,8%) opinaron que no.

Respecto de las otras cuatro preguntas de la consulta, un 99,4% (30.673 votos) consideró que el Sistema Público de Salud debe ser fortalecido mediante la entrega de financiamiento, recursos humanos y materiales.
En tanto, un 92.7% (28.619 votos) se mostró de acuerdo con que la Salud debe ser financiada por el Estado, directamente a través de impuestos generales..

Además, el 91.6% de los votantes señaló que las instituciones de salud debe ser sin fines de lucro (28.282 votos); y un 96,1% (28.282 votos) se inclinó porque los usuarios y trabajadores de la salud deben participar en la toma de decisiones del sector.

Cifras generales

De las 30.858 personas que votaron en la plataforma de Voto Ciudadano y Nic Research Labs de la Universidad de Chile, una mayoría, 57,4%,¬ son mujeres (17.697), y 42,6% hombres (13.161). Además, más de la mitad de los votantes (57,4%) está entre los entre 18 y 29 años.

En cuanto a la votación Regiones/Región Metropolitana, ésta está bastante equiparada, siendo la de Regiones (52,5%) un poco mayor que la de RM (47,5%). De la votación de regiones, en tanto, la de la Zona Sur (32.7%) es bastante mayor que la Zona Norte (19,9%)

La Mesa Social Por la Salud, integrada por más de 15 organizaciones de trabajadores, funcionarios, profesionales, estudiantes y usuarios de la salud, realizó, junto a VOTO CIUDADANO un Plebiscito para consultar a la ciudadanía su opinión sobre la salud del país.

Se trata de cuarta consulta pública desarrollada por Voto Ciudadano, labor en la cual trabaja en conjunto con NIC Research Labs, de la Universidad de Chile, garantizando la transparencia y seriedad del proceso de votación on line.

Para ver informe completo, ingrese a www.votociudadano.cl

Como parte del “Festival Teatro Gabinete para Uno”, compañía La Peste presenta “Deja de mirarme” este montaje para un solo espectador, donde son puestos a prueba los límites de su morbosidad frente a una escena de violencia cotidiana.

Entre el 10 y el 26 de mayo, La Peste presentará en el Teatro Montealegre (Montealegre 780, Plazuela San Luis, Cerro Alegre) su obra “Deja de mirarme”, experiencia de 10 minutos preparada para un solo espectador, como parte del “Festival Teatro Gabinete para Uno”, que por primera vez llega a Valparaíso.

A cargo de Fundación Aldea Lú, este festival se caracteriza por exhibir una función de teatro, una performance o una manifestación artística, en un reducido espacio y en contacto directo con los actores. “No es una escenografía, no es sólo una locación, el gabinete se transforma en cuerpo, en parte de la acción, donde los espectadores-audiencia entran a un lugar que pende de un hilo entre un atentado a la privacidad y un espacio a la imaginación”, reza la reseña del evento.

En esa pequeña caja -de 2 metros de largo y 1 y medio de ancho y alto, cuyo diseño integral pertenece a Miguel Alvayay- tiene lugar “Deja de mirarme”, dirigida por Danilo Llanos, protagonizada por Daniella Misle, Ana Sagredo y Katherine López. Por el fracaso de su evento social, una mujer culpa y se desquita con su empleada extranjera, quien sufre con el iracundo delirio de su patrona y el deseo furioso y contradictorio de querer huir. Escena de violencia y crudeza cotidiana que el espectador solitario podrá observar en primera fila -“desde afuera”- sin dejar de lado su comodidad y confort, pero en donde estarán a prueba los límites de su morbosidad y voyeurismo.

A juicio la productora del festival, Vania Figueroa, el valor artístico de una práctica como Gabinete “no está puesto en la obra, si no en la experiencia compartida con el público”, dice. Y agrega: “Estar solo, con uno o dos desconocidos, en un espacio íntimo, privado, intentando observar algo que es un todo y vernos a nosotros mismos en ese acto, sin duda es al menos algo distinto, no convencional, una experiencia muy particular”.
Un “alarido laboral”

“Por las características del espacio, donde tienes al público a escasos centímetros, nos propusimos poner al espectador en una situación donde escuche algo que no tenga que escuchar y vea algo que no tenga que ver, pero que sin embargo quiera ver y escuchar más”, explica Danilo Llanos, respecto a la experiencia que vivirán los asistentes.

Según el director, este primer trabajo de experimentación que realiza la compañía fue abordado como un desafío tanto actoral como de dirección, en cuanto a poder hacer una obra de teatro que provoque y seduzca, en un espacio y tiempo acotado. “Hay una anulación de ciertos paradigmas que se ocupan habitualmente en el teatro que los hacemos desaparecer en buena medida”, agrega.

De ahí que el cuerpo y su gestualidad a la hora de narrar sean parte fundamental de esta nueva puesta en escena de La Peste que, como ya es costumbre, instala una mirada crítica de la contingencia nacional. Y es que -ante todo- “Deja de mirarme” es un “alarido laboral”, que surge también como respuesta a los actos de discriminación que sufren algunas nanas en condominios del barrio alto, así como a la precariedad en la que trabajan otras en Chile y Sudamérica.

Cabe destacar que con “Deja de mirarme” la compañía La Peste retoma su labor de investigación y creación grupal, trabajo que no realizaban en conjunto los cuatro integrantes desde su exitosa obra “Ser Madre” (2008), pues durante el último período han exhibido montajes con otras agrupaciones, como “Secreto de camarín” o “Todo es cancha”.

“Festival Teatro Gabinete para Uno” se extenderá durante tres fines de semana: el 10, 11 y 12 de mayo; el 18, 19 y 20 de mayo; y el 24, 45 y 26 de mayo. Las funciones son a las 20:00 horas y la adhesión es voluntaria. Es importante destacar que es fundamental e indispensable que el espectador interesado en participar realice con anticipación una reserva al mail producción@aldealu.cl o al celular 83642158, indicando el lugar de exhibición al que quiere asistir. Las opciones son Poblenou, Saborcolor, La Cocó y el Teatro Montealegre, siendo este último el escenario de “Deja de mirarme”. Las otras compañías, agrupaciones y artistas que participan, son Teatro Atómico, Teatro Virgen, Teatro Montealegre, Denisse Duarte Medina, M.I.A y Contrakkolpo Teatro y Teatro The Naidens Compañy.

La banda porteña Lisérgico está de fiesta, para celebrar sus 6 años de tocatas y rock, el viernes 11 de mayo en Bar La Cantera.

Durante estos 6 años de carrera, Lisérgico ha sabido mantenerse vigente en la escena musical de Valparaíso cultivando un sonido crudo y directo a la vena, tocando permanentemente no sólo en el Puerto sino también en otras ciudades del país, compartiendo con importantes bandas de la escena nacional. Con tres discos a su haber, Lisérgico nos deleitará con su mejor repertorio antes de entrar a grabar nuevo material.

La celebración contará con la participación de dos excelentes bandas. Desde Santiago, Wild Parade, liderada por Samuel Maquieira (The Ganjas, Yajaira, The Versions y Casino), acompañado por Iván Molina (La Big Rabia, Philipina Bitch, ex Santos Dumont y Emociones Clandestinas), Andrés Jorquera (slide guitar en Los Fictions) y los locales Perraje, que estarán presentes para desplegar todo el hard rock porteño.

LISERGICO CELEBRA 6 AÑOS DE ROCK
En vivo: Lisérgico + Wild Parade (Santiago) + Perraje
Fecha: Viernes 11 de mayo – 23hrs.
Lugar: Bar La Cantera – Cochrane #88, Barrio Puerto, Valparaíso
Valor: $1.500 entrada general

Dicen que después de la lluvia sale el sol, a pesar que no ha llovido aún en estas estoicas tierras de brujos y pachamamas nocturnas. Sin embargo, viajo a la estancia panal, lugar de regocijo en donde duermen las ya míticas tres cumbres. Viajero hondureño, abeja amarilla, obséquiame la quena del fierro rojo, duermes y sueñas con quenas palpitando los sonidos silvestres de los desiertos nortinos pampinos.

Cuál es la sed que habita los caminos que yacen entre la Pampa del Tamarugal y Caldera, la pampa seca como un beso sin lengua, la pampa fiera de aullido monosílabo. Me he acostumbrado a dormir sobre puentes clausurados, como aquellos que viven en las carreteras nortinas, observo playas desiertas llenas de medusas y altares sagrados, de los hijos desaparecidos de las montañas.

Pero en las cumbres de nuestras montañas vigilan los hijos del cactus verdoso, como un espantapájaros luminoso, anilínico dentro de su lupanar de constelaciones. Viajo a la cavidad del hongo sagrado, que dispone estas líneas como dagas y espadas para reconocer mi espíritu altiplánico, mi redención mestiza, hijo del cóndor soy, dentro de mí habitan antiguos espiritus de los amplios cerros arbusticos, espiritus blancos de los andes y angeles caídos en los valles centrales del cuerpo y la uva.

No es oro lo que quiero, solo unas gotas del nácar prohibido de nuestros tres cactus santificados, la avalancha de voces y el oleaje del amanecer manchan mis ojos con suaves enjambres de mariposas púrpuras.

Pero ya he pasado por las frágiles playas de la costa que me pertenecen como estos territorios de dueños galaxiales y orbitas ultra narrativas.

Y cuando Dios me ha mostrado las tres cumbres, me he arrodillado ante tanta belleza, así como la neblina nocturna entrando en los valles de Olmué, así como alas de angeles que flotan dentro de las constelaciones latinoamericanas de nuestras noches oscuras.

Las tres cumbres palpitan dentro de mi corazón.

Por Felipe Ugalde

Hace 50 años, una piedra rodante sin domicilio conocido echó a correr en dirección al Greenwich Village de Nueva York y arrasó con la manera de entender la música y la cultura popular de toda una generación.

Aquel sacudón, que por equivocación de sus padres llevó durante casi 20 años el nombre de Robert Allen Zimmerman, se hacía llamar ahora Bob Dylan, venía de dejar la universidad al primer año en Minneapolis y tenía por misión no cambiar el curso de la música, si no tan sólo conocer a su ídolo, Woody Guthrie, postrado gravemente en un hospital de la ciudad.

Cumplida la primera tarea, el muchacho encontró la razón y el sentido que necesitaba para emprender la segunda: consagrar su vida a las canciones. De esta forma volcó con excesiva lucidez su mirada alrededor, afinó las palabras hasta la genialidad, no despegó las manos de su vieja guitarra por algunos años más y compuso un puñado extraordinario de temas. Fue entonces que la tercera y más jodida tarea de todas estaba recién por comenzar: hacerse cargo de un mito.

Si Presley fue llamado el cuerpo de EE.UU., Sinatra la voz, Bob Dylan fue sin duda su conciencia. El hombre que con apenas seis cuerdas, una harmónica y letras agudísimas se constituyó como el más potente alimento de los sueños de libertad y revolución de la Norteamérica de los ‘60. Jodida y rejodida misión, ser la conciencia de un país y de paso de toda una era.

Porque todavía montados en la cresta de la ola que anunciaría Hunter Thompson, la reacción cayó sobre Dylan como cuando los escupitajos en Newport el ‘65 por atreverse a enchufar su guitarra o incluso un año antes cuando “Another side of Bob Dylan” se distanciaba de la protesta social para preferir los laberintos poéticos a imagen de Ginsberg y Kerouac. Los mitos no pueden cambiar, es acaso el nombre de una canción que imaginó y compuso, pero que nunca conocimos.

Ni hablar en años posteriores cuando sus discos de villancicos, su temporada cristiana o su presentación para el Papa. Muchos Dylan habitan en Bob Dylan (como muy bien como lo ha sugerido Todd Haynes en la excelente “I´m not there”), bastantes a veces para que sólo un mito (sólo un hombre) pueda hacerse cargo, o quizás fuera aquella la única manera conciente de lidiar con él, intentar rescribir su historia una y otra vez estética y musicalmente, con nuevos discos, giras, y sobre todo misterios, con el silencio y la ironía a falta de verdaderas certezas.

Pero no era por esto que escribía sus canciones. Prefería que todo fuera sencillo a la manera de los trenes que observaba pasar por las tierras de su Minnesota natal, era estimulante no saber hacia dónde se dirigían, todo aún incierto, abierto y desconocido. Posteriormente, aquel vértigo sólo ocurriría con suerte en los estudios de grabación o arriba del escenario.

Fuera de ahí, Bob Dylan comenzó a ser un estorbo, y entonces lo de siempre pero a dimensiones siderales: la industria, la prensa, los fans, los disfraces para pasear por la ciudad, el aislamiento, los conciertos sin palabras hacia el público y las dos habitaciones en hoteles (una de ellas para que le dejaran la comida y así no hablar con nadie)

Es así como Dylan se llevó a sí mismo, sin quererlo, al mismo tiempo cerca del halago y el hartazgo. Es aquello parte del precio? Sería el nombre de la otra canción que nunca le escuchamos. Después de todo no se puede reorientar la composición de The Beatles, lograr que Hendrix haga suya una de tus obras, definir una década como la de los ‘60, o ser reiteradamente nominado al Premio Nobel de Literatura y pensar en salir a comprar todos los días el pan como si solamente fueras el vecino que toca la guitarra.

Por eso Dylan es al mismo tiempo un sobreviviente. De las drogas, de las balas de sus fanáticos y de sí mismo, que a pesar del hartazgo tampoco dejó los escenarios. Ha seguido componiendo incansablemente, con más y menos calidad, haciendo conciertos e incluso el viejo mito de la gira interminable, viviendo la vida (y de la vida) del hombre que inventó una vez llegado al Greenwich.

El 24 de mayo del 2011, medios de todo el mundo llenaron sus pautas celebrando los 70 años de Bob Dylan, pero estaban sutilmente equivocados en 20 años. Eran apenas 50, y claro, también los 50 del neofolk, los 45 del folk rock y así sucesivamente, porque las distintas etapas de Dylan van marcando también las distintas edades de la música y la cultura popular del siglo XX.

Era Zimmerman el de los 70, sólo que hace más de 50 años se sabe poco y nada de él. Chile no será la excepción, pero además será Dylan (y acá las cosas se tornan jodidas ahora para el público) el otro gran ausente de esta visita, antes y después de que los primeros acordes marquen acaso un nuevo frío e impecable capítulo de esta memorable historia, tan públicamente misteriosa.

Si la tónica se repite, como desde hace tiempo ya, esto implica por supuesto olvidarse de entrevistas y conferencias, paseos por la ciudad, firma de discos, alguna mínima salida al balcón del hotel para saludar a los fans; si hay ánimo habrá un saludo al público antes de comenzar o al terminar el show, ni siquiera la prensa (enterada del juego) se molestará en ocupar tanto espacio informando que uno de los artistas más popularmente transversales e influyentes de todos los tiempos pisa suelo chileno.

A Dylan lo podrán ver, parcialmente, sólo quienes hayan llegado a la cita en el Arena, será aquello suficiente. Y será también sólo Dylan quien luego del show, reconozca frente al espejo a un chico joven y delgado, expectante y libre como cuando las respuestas podían llegar todas con el viento. Entonces el mito se refugia un rato en el hombre, cierra los ojos, y recordando piensa si todavía está a tiempo de subirse al próximo tren sin destino, quizás a empezar todo de nuevo, o emprender el mismo viaje de regreso a las praderas donde los viejos campesinos lo esperarán de vuelta con buenas canciones y alcohol barato, pero que carga encima con un sabor único, como cuando todo era incierto, abierto y desconocido aún, como si un simple acorde menor fuera al mismo tiempo el camino, el regreso y la casa, y eso bastara, como debía ser, para siempre.

Por Rodrigo Acuña

Luego de meses de intensas acciones, las organizaciones ciudadanas y mapuches de Carahue lograron que la empresa Copper Capital Minera La Montaña Ltda., desistiera realizar el proyecto minero “Explotación lavadero de oro, segunda presentación”, sector río Colico, comuna de Carahue, Región de La Araucanía.

Así se reportó desde el municipio local, indicando que los representantes ciudadanos de la zona advirtieron que esta extracción minera produciría un inminente daño ambiental en la zona calificada como “patrimonio natural comunal”.

Cabe destacar que la ciudadanía recibió el respaldo de la Municipalidad de Carahue y de la Red de Acción por los Derechos Ambientales, RADA.

Historia del proyecto

No era la primera vez que la empresa insistía en realizar el proyecto. Según las publicaciones del Servicio de Evaluación Ambiental, Minera La Montaña ingresó por primera vez esta iniciativa en diciembre 2009 como “Proyecto Minero Aurífero Río Colico” vía Declaración de Impacto Ambiental, DIA, siendo no admitido, notificándose el documento en marzo del 2010.

Luego en octubre de 2011 ingresa una nueva DIA denominada “Explotación lavadero de oro”, donde describe que el proyecto consistía en realizar una recuperación de oro de un lavadero aluvial con una rampa de acceso en el lecho del río Colico; y de esta manera obtener material suficiente para realizar pruebas en una planta piloto de concentración gravitacional que se instalará dentro del área de ejecución. En esta ocasión la Comisión de Evaluación de la Región de La Araucanía no admite la iniciativa en noviembre del mismo año.

A días de la notificación, la empresa por tercera vez presenta un DIA, esta vez el proyecto se llama“Explotación lavadero de oro, segunda presentación”, el que por cinco meses estuvo siendo observado, donde finalmente la empresa decide desistir la realización de la iniciativa, notificando su decisión en abril recién pasado.

En la misiva la empresa explicó que deciden abortar el proyecto por no contar con las garantías mínimas aceptables para realizarlo, acusando de presión indebida de las autoridades, sumado a los acontecimientos de violencia en La Araucanía.

Acusación contra mineros

Paralelamente a las presentaciones para materializar la explotación aurífera, de acuerdo a informaciones municipales, la empresa realizó una demanda contra ocho mineros del sector por hurto de oro desde un pique, supuestamente ubicado en un terreno mensurado por la empresa.

En este sentido, el municipio local comprometió ayuda en este proceso judicial, así como apoyo al desarrollo de los pirquineros del sector, quienes desarrollan minería tradicional a pequeña escala.

La Opiñón

Vacaciones de invierno de 1991, escuchando EMF afuera de mi casa! Supe desde el primer momento que los puños de su chaqueta ofrecían recompensa por el panal de abejas extraviado de la señora Marcela. Su forma de pactar era muy distinta a la acuarela de un soldado de carne que escapa de un túnel alemán y que mira con desdén al suplicar un helado de interesante respeto.

Sus ojos muy parecidos a los de su primo de Bélgica, con la única diferencia que no sangran palta al absorber 1/4 de aceite por avalancha de hielo……………….que se exhibe en un juego de naipes pentecostal. Este tipo estudió 4 años para ser reconocido como ilustre salvador de los medidores de gas y con tendencia refinada por la mantequilla de odio. Sus primeros viajes y estudios fueron examinados por asambleas de peleas de cojines y cócteles de clítoris …………………….un buen ramo para cada buen ramo – hola!

Sus novias fueron producto de trueques, zapatillas y sarampión, destinados a edificar una escuela de “música haitiana” conformada por tuberías, carroña y hombre lobo.

Su primer helicóptero lo obtuvo por tirarse de cabeza sobre su hombro y ganó el tercer lugar. Sus compañeros se burlaron y lo nombraron “cool dude hijo de patria”…..sobrenombre que lo llevó a la fama, a la Araucanía y al asalto de un par de putos mapuches que en estos tiempos se dedican a la taxidermia en Mendoza.

Se tituló con buenas calificaciones, un diente de oro y una oreja más grande que la otra. Conoció a su actual mujer en la Universidad Austral de Valdivia; le mintió, mordió y la obligó a escuchar su repudio y envidia por su primo extranjero……… cálmate………en cambio su primo es digno, heroico y turbo………pelea como oro y perdona como arcilla cuando discute sobre tendencias de “ruídismo” belga!

Michel Lefranc C

La exposición de las obras de Diego Rivera en un museo privado desafía todo lo que deberían representar. Te costará 25 dólares la entrada al Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Si vas con tu esposa o pareja, serán 50. Si te acompañan dos hijos y tienen más de dieciséis años, aumentará a 100 dólares, los niños pequeños y los ancianos tienen un pequeño descuento. ¿Y tal vez otro descuento para gente común y corriente? “¿Forma parte de alguna corporación? preguntará la amable persona de la taquilla si le consultas. ¿Por lo tanto si uno trabaja para Goldman Sachs, por ejemplo, podría entrar gratis? “También hay otros beneficios” te dirá el servicial personal en el gran vestíbulo del MoMA.

Ahora, supongamos que te gustó una exposición del MoMA y quieres comprar un catálogo del artista. Te costará unos 50 dólares. O sea que la visita de una familia de cuatro personas al MoMA ascenderá a unos 150 dólares.

En Nueva York, según tu nivel económico y dónde vivas, ese precio representará una o dos semanas de compras de víveres para una familia promedio de cuatro. Sí, hay gente que vive en Nueva York cuya botella de vino en un restaurante cuesta más que eso, pero son de los que entran gratis al MoMA. Ahora bien, para cualquier visita normal al MoMA es un costo bastante prohibitivo, pero si uno quiere realizar una visita especial para ver la exposición de “Diego Rivera: Murales para el Museo de Arte Moderno”, esa suma provoca varias preguntas serias.

Unos 50 millones de personas en EE.UU. (más de un 15% de la población total) viven bajo la línea oficial de la pobreza, lo que quiere decir, en 2011, un ingreso anual de 22.350 dólares para una familia de cuatro. Es justo decir que Diego Rivera quería que su arte fuera para todos esos 50 millones de personas y más. Dividido por cuatro, ese ingreso anual asciende a 5.587,50 dólares anuales por persona, que divididos entre 365 días, son 15,30 dólares diarios (dejemos por un momento a un lado a la humanidad en general, porque “por lo menos un 80% de la humanidad vive con menos de 10 dólares diarios”).

En otras palabras, para poder entrar en el MoMA y conocer las obras de arte de Diego Rivera, una familia de cuatro de esos 50 millones de pobres tendría que pasar sin alimento y vivienda durante 10 días.

Diego Rivera (1886-1957) llegó a EE.UU. como un comunista de principios y un artista mural de reputación mundial. Entre 1922 y 1953 Rivera había pintado murales en su país y en el resto de Norteamérica. En 1931, una retrospectiva de sus trabajos en el MoMA consolidó su reputación como una personalidad importante del arte público.

Conmemorando la exposición en el MoMA de 1931 a 1932, la exposición Diego Rivera_ Murales para el Museo de Arte Moderno reunió, después de 80 años, cinco “murales portátiles” sobre la Revolución Mexicana y Nueva York de la era de la Depresión.

Con un tamaño de hasta 1,8 por 2,5 metros, con un peso de hasta 450 kilos, y hechas de yeso pintado al fresco, hormigón y acero, no cabe duda de dónde y con qué propósito deberían exhibirse esas magníficas obras de arte: en cualquier sitio salvo en un museo privado cuya visita cuesta el pan y el techo de toda una familia.

La exposición del MoMA, que comenzó a mediados de noviembre de 2011 y terminará dentro de poco, a mediados de mayo de 2012, incluyó los murales que, por su puro tamaño y magnitud reflejan la política revolucionaria y las preocupaciones públicas del magnífico artista mexicano.

Nacido y criado en México, Diego Rivera viajó a Europa, donde conoció en París las obras de Cézanne, Gauguin, Renoir y Matisse. Pero su examen minucioso de los frescos del Renacimiento de Italia desarrolló su fuerte convicción en el arte público, que conectó creativamente con el espíritu revolucionario mexicano. Su dedicación al espacio público, su preocupación por temas centrales a la vida pública y su compromiso profundamente arraigado en las causas sociales fueron factores definitivos en el arte de Rivera, un compromiso decidido contra el espacio privatizado (corporativizado) en los museos.

Desde los años 30, mientras EE.UU. caía en la Gran Depresión, Rivera fue a ese país, donde en tres sitios -el Club de Almuerzo de la Bolsa de Valores de EE.UU., la Escuela de Bellas Artes de California y el Instituto de Artes de Detroit– llevó el alcance de su arte público al corazón enfermo del capitalismo.

A la elite dominante de EE.UU. no le gustó lo que mostraba Rivera. En el mural para el vestíbulo del edificio RCA en Rockefeller Centre optó por pintar a Lenin como figura central. Gestos semejantes no eran accidentales en su arte, lo definían. “Un artista”, creía, “es sobre todo un ser humano, profundamente humano hasta el centro. Si el artista no puede sentir todas las cosas que la humanidad siente, si el artista no es capaz de amar hasta olvidarse de sí mismo y sacrificarse a sí mismo, si no baja su pincel mágico y encabeza la lucha contra el opresor, entonces no es un gran artista”.

Con ese tipo de ética de su estética, Diego Rivera fue definitivo en la formación de un arte nacional mexicano como modelo de su apropiación deliberadamente provocativa del espacio público para una conciencia revolucionaria global. Esa percepción sobrepasó su patria, se expandió hacia Latinoamérica y finalmente llegó a los engranajes globalizados del capitalismo en Norteamérica. Fue definitivo para la idea misma del “arte público” como intervención estética en la definición y reivindicación del espacio público para propósitos revolucionarios.

El encarcelamiento de esas artes públicas en el espacio privatizado del MoMA es tal vez el recuerdo más destacado de que apenas ha quedado algún espacio público en una ciudad que expulsó por la fuerza a los activistas de Ocupa Wall Street del Parque Zuccotti porque el parque sigue siendo “un espacio privado”.

El problema de la exposición de Rivera en el MoMA no tiene que ver con el precio prohibitivo de la visita. Afecta la experiencia en sí del intento de adaptarse a un arte público en un confinamiento privado. El poder compositivo y la audacia de “Fondos congelados” de Rivera (1931-1932), por ejemplo, muestran el poderío vertical de rascacielos dominando sobre la horizontalidad aplanadora de los trenes subterráneos, todo lo cual se aleja en el trasfondo de un espacio parecido a una morgue donde los cuerpos de los desvalidos se acumulan como sardinas en una lata. La audacia compositiva del cuadro, colgado en las múltiples grúas proyectadas, proyecta los rascacielos como el espacio alienado de la modernidad capitalista que Rivera enfrentó cuando llegó a EE.UU., todo subrayado en el fondo mismo del cuadro, donde los neoyorquinos ricos depositan sus preciosas pertenencias, todo durante la Gran Depresión.

Contemplar el cuadro en una pequeña galería del MoMA es como escuchar una sinfonía de Beethoven en un ático en el que ni siquiera cabe toda la orquesta, para no hablar de los instrumentos, y olviden al público.

Es el desafío formal del cuadro que exige un escenario mucho más amplio para ser comprendido y revelarse. Es audaz, valiente, colérico, desafiante, descarado. Rivera hizo que la alta sociedad de Nueva York entendiera sus cuadros mostrando lo que había sucedido en las revoluciones mexicana y rusa, y lo que sería el futuro inmediato en la Gran Depresión. Toda la magnitud estética de esa trascendental ocasión está ahora formalmente comprometida (y por lo tanto estéticamente estropeada), en esta exposición.

Sucede algo extraño al contemplar estos cuadros en el MoMA en compañía de la élite burguesa del Upper West Side [parte noroeste de Manhattan], totalmente ajena al mundo y a lo que produjo esos cuadros. No hay ánimo en el aire del tipo que Diego Rivera debió de experimentar, pero tampoco hay algún brío. El lugar de este museo se encuentra a años luz no solo de esos tiempos y desesperaciones revolucionarias, sino también del hecho y fenómeno de la vida, incluso tan cercanos a los vividos por millones de neoyorquinos que nunca se podrían permitir siquiera acercarse al MoMA, y menos todavía gastar dos semanas de su sustento diario para pagar por lo que su propio pintor les muestra de su mundo.

Estos murales son específicos al lugar, en el caso del arte público, contrariamente, por ejemplo, a la pintura de miniaturas persas, indias o chinas, que son artes afiliadas a las cortes y ampliamente distintas del origen burgués de los museos europeos y estadounidenses. Esas cosas –el arte de Rivera y las galerías de arte– no son compatibles. Existe una falsa e incómoda proximidad en esas obras cuando uno las mira tan de cerca. Son, en su propio ser, índices de espacios públicos en una ciudad en la que sus ciudadanos ni siquiera pueden ir a un parque para protestar contra la tiranía del capital que dirige sus vidas sin ser violentamente expulsados, porque están violando un espacio privado.

Como arte público, esos murales se hicieron para que se vieran en público, y por lo tanto su magnitud y proporcionalidad corresponden a un espacio público, abrazando efectivamente al público que los contempla, como ellos contemplan al público.

Ni normativa ni imaginativamente esos cuadros se imaginaron en el espíritu de un ambiente de museo de alta burguesía, sus galerías, corredores, iluminación, y salones serpenteantes. Como arte público, las obras maestras de Rivero también implican un cierto tipo de aspecto informal, cuando la gente va camino al trabajo, porque el trabajo y los trabajadores son definitivos para esas obras de arte. Desafían la mirada directa, solemne y fija de cerca; son simplemente demasiado poderosas para mirarlas detenidamente. Su presencia espacial llena plazas y lugares públicos y por lo tanto, forzosamente, apabullan las limitaciones enredadas de una sala dentro de una galería. Diego Rivera imaginó sus murales de la misma forma que Beethoven compuso sus sinfonías, y cuando el arte iba abandonando las cortes y catedrales y se apresuraba a abrazar la historia en los espacios mucho más vastos del público. Ahora unos 50 millones de estadounidenses están más allá de la geografía imaginativa del MoMA.

Por Hamid Dabashi, profesor de Estudios Iraníes y de Literatura Comparada den la Universidad Columbia de Nueva York.

Fuente: http://www.aljazeera.com/indepth/opinion/2012/04/2012423111933761251.html

Traducido del inglés para Rebelión por Germán Leyens

Con canciones perfectamente resueltas, íntimas y de una potencia sobrecogedora, el cantautor de San Antonio, en este disco (su debut), acuña melodías tradicionalmente ligadas a la canción popular, sin estridencias, pero de mucho valor interpretativo, volviendo su música un referente indiscutible entre los nuevos cantautores chilenos.

Carlos: Las comparaciones son siempre algo engorrosas, pero es inevitable hablar de Santos inéditos obviando el trabajo que realizaste en Sabor a tierra. ¿Qué diferencias ves tú entre ambos álbumes?

Demian: Bueno el álbum “Sabor a Tierra” llegó por sorpresa, fue grabado por gente que asistía a mi show o visitaba la twitcam del bar canción de la trova. Un día llegando a la casa de un amigo supe del disco, ya que, al entrar a su casa, él me felicita por el disco y yo quedé sorprendido. Luego de “Sabor a Tierra” se sumaron otros discos más junto a un cancionero. En cuanto a “Santos Inéditos”, existe toda una temática que se entrelaza con lo visual de las canciones, pasando por el título del disco, hasta finalizar en las imágenes.

Carlos: Evidentemente este último disco es más dramático que el anterior, no sé si será por la instrumentación o por como suena tu voz, bastante más afectada. ¿Es una opción o se dio de manera natural en el estudio?

Demian: Todo llegó de la mano de los personajes que dan vida al disco. Los músicos participantes: Lautaro Rodríguez, Sebastián Valdovinos, Branco Vukovic y Rodrigo Buch.

Carlos: ¿Cómo realizaste estas canciones, cómo fue el proceso creativo? ¿Trabajaste en solitario o con la banda?

Demian: Las canciones fueron creadas a partir de la rutina que atañe al día a día, como a la par del acontecer nacional. Estas, desde que fueron trazadas en el papel, siempre fueron pensadas como se escuchan hoy en el álbum.

Carlos: ¿Cuáles son las expectativas que tienes con este disco?

Demian: No sé si un disco sea la madre de todas las expectativas, para mi no existe la expectativa, existe la evolución en cada uno de los mismos.

Carlos: ¿Te desmarcas, de algún modo, por el hecho de trabajar con una banda, de la trova?

Demian: Nunca me he sentido un trovador, así que no se si deba terminar esta respuesta…

Descarga Santos Inéditos en: http://t.co/bK3w12He

Por Carlos Peirano
Fotografías gentileza de Demian Rodríguez

Revista Cavila te regala la pirámide de la educación, una lúdica y práctica ilustración que te permitirá entender fácilmente la disposición del sistema educacional chileno.

La Mesa Social por la Salud, integrada por 15 organizaciones sociales, y Voto Ciudadano, anunciaron que llamarán a la ciudadanía a expresar su opinión acerca de la Salud en Chile. Con mesas de votación en hospitales, consultorios, universidades y lugares públicos, además de vía Internet, la Mesa Social por la Salud y Voto Ciudadano realizarán el Plebiscito Nacional por la Salud.

La consulta se llevará a cabo desde el lunes 23 de abril a las 12.00 hrs, y hasta el domingo 6 de mayo a las 24.00 hrs. a través de la plataforma Voto Ciudadano, www.votociudadano.cl.

Asimismo, a partir del lunes 30 de abril y hasta el 6 de mayo se instalarán mesas de votación presenciales en todo el país. Además, el Día Internacional del Trabajo, 1 de Mayo, se instalarán mesas en los principales lugares de concentración de los trabajadores.

Carolina Espinoza, presidenta de Confusam, señaló que el objetivo de la consulta es conocer la percepción de la ciudadanía “acerca de la salud que tenemos y la salud que queremos“. Destacó que en la Mesa Social por la Salud confluyen trabajadores, funcionarios, profesionales, estudiantes y usuarios de la salud.

Mario Villanueva, vicepresidente de Fenpruss, añadió que el Plebiscito es para la Mesa “una primera instancia de participación social, que esperamos ampliar, partiendo de la base de que, para generar las reformas que la salud exige, es imprescindible que las mayorías ciudadanas participen activamente en el proceso, asumiendo incluso el desafío de la movilización social si ello fuera preciso”.

Los resultados y conclusiones del proceso de consulta se harán públicos y serán, entregados a las autoridades de Gobierno y de otros poderes del Estados, así como a las organizaciones ciudadanas y la ciudadanía en general.

El Plebiscito Nacional sobre Salud es la cuarta consulta ciudadana pública desarrollada por Voto Ciudadano. La plataforma garantiza la transparencia y seriedad del proceso con el respaldo tecnológico de NIC Research Labs, de la Universidad de Chile.

Las organizaciones patrocinantes de la consulta son:

-Confederación Nacional de Funcionarios de Salud Municipalizada, CONFUSAM
-Federación Nacional de Profesionales Universitarios de los Servicios de Salud, FENPRUSS
-Agrupación Médicos de Atención Primaria de Salud APS
-Federación Nacional de funcionarios de la salud pública, FENFUSSAP
-Federación Nacional de Trabajadores de la Salud, FENATS NACIONAL
-Asociacion de estudiantes de odontologia – ADEO
-Asociación de estudiantes de medicina de chile ASEMECH
-Frente amplio SSMS
-Frente de defensa de la salud pública zona sur
-Corporación salud un derecho
-Frente de defensa de la salud pública zona norte -
-Movimiento por la consulta y los derechos ciudadanos

La campaña comunicacional “Barrick, Mentira Irresponsable” informaba sobre los proyectos liderados por la multinacional canadiense en Chile, amparados en el derecho a la Libertad de Expresión e Información. Pero la árbitro del proceso consideró que la “libertad de expresión no faculta al sujeto que la ejerce para apropiarse de expresiones y/o términos sobre los cuales un tercero tiene derechos de propiedad marcaria”.

Desde la campaña llaman a cambiar la legislación y jurisprudencia en Nic Chile y expresan que “Barrick prefiere comprar el .cl que disputar la información que se difundió durante un año por dicho espacio”.

La Árbitro de Nic Chile, Sra. Lorena Donoso, falló el 13 de abril de 2012, a favor del segundo solicitante del sitio barrickmiente.cl, Barrick Gold Corp., por considerar “relevante” que “los atributos de su marca no se vean perjudicados por la acción de terceros”, ya que “la libertad de expresión no faculta al sujeto que la ejerce, para apropiarse de expresiones y/o términos sobre los cuales un tercero tiene derechos de propiedad intelectual marcaria”, y menos aún “constituir una expresión en que asocia la expresión protegida a un adjetivo peyorativo que vaya en perjuicio de los atributos de este tipo de denominadores”, expresa la sentencia del caso en Nic Chile, organismo que administra los sitios .cl.

Ante dicha decisión, el periodista y primer solicitante al sitio barrickmiente.cl, Javier Karmy, expresó que “con este resultado arbitral, pasa algo sumamente singular para el derecho: Barrick ahora es dueña del sitio barrickmiente.cl, por lo que ella misma estaría perjudicando a su marca con su nueva página, así es que estamos muy ansiosos de ver qué van a poner en su nuevo sitio”.

Karmy agregó que es sumamente peligroso que en una disputa legal en Nic Chile, organismo dependiente de la Universidad de Chile, prepondere el Derecho Marcario sobre el derecho a la Libertad de Expresión que está reconocido en el artículo 19 Nº12 de la Constitución Política de la República.

“Barrick basó su defensa en que sólo el nombre del sitio, por unir la palabra “miente” al nombre de su empresa, los menoscabaría, y no se atrevió a contrarrestar la información difundida porque estaba debidamente acreditada. El tema es que esta decisión menoscaba la Libertad de Expresión y el Derecho a la Información, y se reducen los espacios democráticos en donde discutir ideas. En el fondo es un llamado de alerta para todos los comunicadores y para todo el país”, concluye.

Por eso, llaman a Nic Chile a que “cambie sus normas para que se respete el Derecho Constitucional, y los múltiples pactos internacionales que nuestro país ha firmado para garantizar justamente lo que hoy se pasa a llevar por el derecho marcario de una empresa como Barrick que ha hecho tanto daño en Chile y el mundo”, concluye Karmy.

Campaña Barrick, Mentira Irresponsable

Esta campaña comunicacional fue una respuesta a una publicidad que la multinacional aurífera distribuyó por los principales medios de comunicación (televisión, radio y prensa) donde daba cuenta de las supuestas bondades de sus proyectos en Chile. Esta contra-campaña “Barrick, Mentira Irresponsable” se inició el 6 de abril de 2011 y el 21 del mismo mes, Barrick, a través de sus abogados, compró el sitio para iniciar así la disputa legal del sitiobarrickmiente.cl. El 2 de junio se llevó a cabo un proceso de mediación tras la negativa de ambas partes, dándose paso a un proceso de arbitraje.

La campaña estaba siendo distribuida sin problemas y la página web, pese al proceso arbitral, tenía más de seis mil visitas cuando repentinamente los primeros días de octubre se notificó de un hackeo del sitio. Se hizo la denuncia respectiva al Ciber Crimen de la Policía de Investigaciones de Chile (PDI) y el 28 de diciembre, la Fiscalía Centro Norte, designó a la Fiscal Giovanna Herrera para investigar este delito de sabotaje informático con el Rol Único de Caso 4184. Los primeros días de marzo de 2012, el Cíber Crimen de la PDI se comprometió a buscar mayores antecedentes que den con el responsable de este crimen informático.

Justo a un año de iniciarse la disputa legal en Nic Chile, la árbitro Lorena Donoso informa que la disputa legal en Nic Chile por el sitio .cl ha concluido favoreciendo a la multinacional Barrick quien se ha quedado con el sitio barrickmiente.cl. La investigación del sabotaje informático sigue su curso.

Agencia Medio a Medio
Noticias de Libre Circulación

Foto gentileza Sarah Bzh

DENUNCIA

Video deja en evidencia el gangsterismo de la policía chilena, que aprovechándose de sus armas, le roba los animales a los comuneros y les dispara desde los cerros, sin importarles la presencia de niños y ancianos.

Este diálogo que sostuve con Camila Moreno, el pasado febrero en el Muelle Barón, donde se realizaba el Rockódromo, estuvo lejos de ser un entuerto. Afable y risueña, la joven cantautora(de la que, debo reconocer, no sabía mucho), pese a su apuro por ir a almorzar, luego de su prueba de sonido, se dio un tiempo para contestar un par de preguntas que surgieron de manera espontánea. He aquí el recuerdo de esa tarde calurosa en la ciudad de Valparaíso.

Peirano: ¿Cómo ves lo que sucedió el año pasado en nuestro país con el movimiento estudiantil, los movimientos sociales en general y con las siempre postergadas reivindicaciones del pueblo mapuche?

Moreno: Creo que mis canciones lo dicen. El movimiento estudiantil es una cosa increíble, algo sorprendente y necesario…, es revolución. Y respecto a los mapuches…, qué te puedo decir, el gobierno no hace nada, es más de lo mismo.

Peirano: Quise partir preguntándote por eso justamente por que quería hacer un link con tus canciones. Más allá de la contingencia, ya que evidentemente tu trabajo está ligado al arte y la poesía, me gustaría saber cual es la responsabilidad de un agente social (ya que fue eso lo que me planteaste inicialmente) en nuestra sociedad.

Moreno: La verdad yo nunca me lo he tomado de esa forma. Yo siento algo y lo hago, se trata de la emoción. Para mí nunca, por ejemplo, Millones ha sido una canción política. Era una necesidad vital y cuando las canciones nacen de una necesidad vital dicen una verdad, por eso repercuten. Lo mismo con la tierra, yo llevo seis años trabajando con las comunidades mapuche por lo mismo. Porque siento que tengo que hacerlo y por que creo que es lo que hay que hacer. Si uno lo mira desde afuera puede parecer una postura política, pero para mí es una necesidad.

Peirano: Estamos en el marco del Rockódromo y me gustaría saber que te parece esta instancia que generan las Escuelas de Rock a acá en Valparaíso.

Moreno: Me gusta esto, creo que es importante ver que la música es mucho más que las etiquetas que le ponen los medios por ignorancia. En Chile está lleno de eso y es súper aplastante. Súper agotador y súper aburrido. Estar encasillado en un estilo o dentro de una camada de gente es algo bien limitante. Eso quiere decir que no has escuchado toda la música. Te quedaste con Millones o con el single de cualquiera de ellos y lo etiquetaste. Yo creo que eso es súper simplista y mediocre.

Peirano: Eso te atañe directamente a ti…

Moreno: Sí…

Peirano: ¿Y eso es debido a como es percibida tu propuesta en los medios tradicionales?

Moreno: Sí, claro, tú tocas guitarras y haces Folk. Ahí quedó. Yo no siento eso de mi trabajo. Creo que cada uno de los artistas chilenos tiene un lenguaje súper vasto para encasillarlo en esto…, creo que es medio pasado de moda eso: esto es rock, esto no… Hace mucho rato ya que los estilos dan lo mismo y en ese sentido el Rockódromo ayuda a que esas diferencias desaparezcan. La geografía de Chile afecta a los músicos y por eso la música chilena suena de una forma chilena, por mucho que uno esté haciendo rock experimental o música celta, no sé… (Risas)

Peirano: Música celta atacameña…

Moreno: (Risas) Sí, no sé. Yo me siento súper cercana a la Ana Tijoux, porque la conozco, porque de chica que me gusta. Ella dice cosas no para quedar bien con la gente, las dice nomás. Creo que es una gran actitud, ser cara de raja…

Peirano: Y eso está bien, igual tú eres un poco así también…

Moreno: Sí, por eso te digo…, a mí no me gusta andar por la vida poniéndole caritas a la gente, ¿cachai?

Peirano: Bueno, para andar poniendo caritas tenemos a todos los “rostros” de la televisión chilena…

Moreno: Claro, para poner caritas. O sea, la televisión chilena no existe…

Peirano: Para poner carita de pejerrey…

Moreno: (Risas) Igual yo no veo tele…

Peirano: Igual suena como cool eso de “yo no veo tele”…

Moreno: Lo que pasa es que no tengo el aparato, pero el computador de alguna manera lo reemplazó. Y el computador es algo mucho más vasto. Tienes la opción de ver lo que quieras. Veo películas, muchas películas, en Cuevana…. (Risas)

Peirano: Muy bien, tengo la impresión de que cerraron ese sitio…

Moreno: Puta, la gente se encarga de callar y evitar que uno vea un poco más allá…

Peirano: Ya a nivel global pasa algo que pensábamos que sucedía exclusivamente a nivel local, la censura. Creo que lo de Cuevana sienta un muy mal precedente, más allá de los derechos de autor y eso…

Moreno: Es que creo que va más allá de Cuevana…, fue muy bonito, porque estuve viajando y estuve con una antropóloga que me decía: la humanidad cambió cuando el pueblo aprendió a leer. Porque antes la lectura era exclusiva de los sacerdotes y de élites, pero cuando la gente común tuvo acceso a leerse un libro y dejó de ser analfabeta la humanidad aceleró sus cambios. Creo que es lo mismo que está ocurriendo hoy con internet. Ella me decía que hay un proceso paralelo y es interesante que pasará con esto ya que hoy todos tienen acceso a internet…

Peirano: De hecho en un momento acá se habló de hacer una internet pública, pero tengo la impresión de que eso no va a suceder…

Moreno: Debería suceder, pero les da miedo, ¿cachai? Porque entre más información los ciudadanos poseamos más fácil es tener la cabeza pensante…

Peirano: Claro, es un poco como el ideal…

Moreno: Sí, pero el problema es que a la gente que está en el poder (o las familias que administran Chile) y a las familias que manejan el mundo no les conviene que la gente piense…

Peirano: De hecho creo que les aterroriza…

Moreno: Sí, claramente les aterroriza…

Peirano: En sus pequeñas grandes parcelas permanecen atrincherados. Lo que sabemos nosotros de estas familias, de las que tú hablas, son sólo sus apellidos, no hay rostros…

Moreno: No hay rostro. Si hubiera rostros sería peligroso…, todos los iríamos a linchar (Risas). O sea me refiero, porque finalmente hay un gobierno no sólo económico, también energético, a que hay una intención de mantener a la gente atontada. Y eso lo propaga la tele, lo propaga un tipo de cultura que usa el sexo de manera degradante…

Peirano: Sobre todo con las mujeres…

Moreno: Claro, la mujer objeto…, o la mujer que canta para que le digan rica, ¿cachai?, que a mí me carga, por eso me carga que me griten rica, huevón. El otro día me agarré con una persona…

Peirano: Ah, ¿te gritan harto eso?

Moreno: Sí…, o sea no siempre, pero es desagradable porque yo no estoy aquí por eso. Sino estaría haciendo música como la Britney Spears…

Peirano: O serías modelo, no sé…

Moreno: O algo así. Y me habría puesto pechugas hace rato…

Peirano: No me obligues a mirar más abajo…

Moreno: (Risas) Es que tengo poca pechuga, pero da lo mismo. La cuestión es que el sexo puede ser un elevador de la conciencia, pero estamos en un tránsito súper fome. Finalmente es precario, aburrido y mediocre y en eso la iglesia tiene un peso tremendo. Creo que es un yugo, finalmente si querían que lleváramos la cruz lo consiguieron…

Peirano: Llevamos la cruz entre las piernas…

Moreno: Sí, y la culpa, de propagar la culpa y hacer que todos se sientan culpables, por sentir, por pensar…

Peirano: Gracias, Camila…

Moreno: Pero yo no me siento culpable…

Peirano: Yo tampoco….

Moreno: Que bueno. Gracias, nos vemos.

Por Carlos Peirano
Fotografías de Carlos Peirano y Waldo Burgos

Simon Whetham, reconocido artista sonoro británico, vino a Valparaíso para participar de la primera actividad de extensión previa del Festival de Arte Sonoro Tsonami Valparaíso 2012. En su primera visita a Chile, el artista realizó un workshop donde los participantes podrán experimentar y aprender técnicas para captar y utilizar los sonidos de nuestro entorno. La extensión finalizó con un concierto basado en registros ambientales y de paisaje sonoro.

Todo partió en un viaje que realizó por Islandia en 2005. Desde entonces Simon Whetham ha estado trabajando intensamente en registros de campo y paisaje sonoro. Con sede en Bristol, Reino Unido, Whetham viaja por el planeta para efectuar sus investigaciones y hacer audible en sus actuaciones los ecos del campo de Islandia y la selva amazónica de Brasil, entre otros registros. De a poco ha ido adquiriendo cada vez mayor perfil, presentando su trabajo en festivales, publicando en sellos como Cronica, Unfathomless, Monochrome Vision, SiRiDics, entre otros.

Whetham se encuentra actualmente en una gira por América en la que ha realizado workshop, conciertos y residencias artísticas, pasando por Chile entre el 17 y el 21 de abril para participar de la primera actividad de extensión del Festival de Arte Sonoro Tsonami Valparaíso 2012 que se realizará entre el 27 de noviembre y el 1 de diciembre de este año en la ciudad patrimonial.

“Estoy trabajando más con objetos e instrumentos, creo que cuando los utilizo logro rescatar sonidos a través de ellos y con ellos. Yo siempre que viajo descubro nuevos sonidos y técnicas, donde sea que vaya durante el año” dijo el artista, quien manifestó estar muy ansioso por visitar nuestro país.

Experiencia sensorial

Uno de los momentos del taller de trabajo experimental de Simon Whetham consiste en vendar los ojos de los participantes para que amplíen sus actitudes sensoriales y logren reconocer la mayoría de los sonidos que rodean el ambiente. “Fue una experiencia agradable, iluminando nuevas sensaciones y también inspiradora para rescatar los sonidos experimentales propios” compartió Paul Jones, uno de los participantes del taller realizado en Londres en el 2010, confirmando que el trabajo que trae a Valparaíso nos ayudará a sensibilizarnos sobre los sonidos ambientales de nuestra vida diaria, redescubriéndolos como una experiencia.

El Festival

Tsonami es un festival de arte sonoro y música experimental, realizado como plataforma de exhibición, intercambio y difusión de las obra de artistas que investigan el cruce de sonido, música y tecnologías.

El Festival se realiza desde 2007 como una instancia anual para pensar y explorar el entorno sonoro. Durante esos días se programan instalaciones e intervenciones sonoras, obras para radio y streaming, conciertos, charlas y workshops en distintos lugares y locaciones de la ciudad de Valparaíso.

Más información en http://www.tsonami.cl/

Ya se encuentra abierta la convocatoria para participar en el Tercer Festival Internacional Freak Terror Gore Bizarro Valparaíso 2012, que se realizará el 4 de agosto de 2012 en el Cine Central del puerto.

Se trata del único festival internacional de Freak Terror del país, contando en sus versiones anteriores con el registro de realizadores de Chile, Inglaterra, España y México, y más de mil personas asistiendo a las diferentes exhibiciones.

Este año, el Festival viene el doble de recargado pues se han agregado elementos como la performance y el teatro, la organización de un pre-lanzamiento el próximo 25 de mayo, y la realización de un after party en el popular bar La Cantera durante como cierre del Festival.

Deborah Araya, directora general del certamen, indicó que en esta tercera versión se espera reunir más de 50 creaciones “de alta calidad”, para lo cual ya se encuentran recepcionando los trabajos, cuyo plazo de entrega vence el 15 de julio de 2012. Las bases se pueden revisar en www.freakterror-bizarro.blogspot.com, el sitio oficial del festival.

“Ya hemos recibido trabajos de Argentina, España, Canadá, Inglaterra, México y Chile, así que invitamos a realizadores, estudiantes y aficionados, a sumarse con sus cortos, medios y largometrajes. El único requisito para las películas es haber sido producidas con posterioridad a septiembre de 2011 y estar vinculadas a los géneros terror, gore, fantástico, bizarro, video clips y documental”, dijo la directora.

PRE-LANZAMIENTO EN MAYO

La producción del Festival ha organizado un pre-lanzamiento para el viernes 25 de mayo en Casa Arte, ubicada en Blanco 394, Valparaíso.

“Queremos que todos conozcan nuestra propuesta para este año, porque el cine gore es un arte por sí mismo. Por eso ese día del pre-lanzamiento mostraremos un compilado con los mejores trabajos del festival anterior, y un performance relacionado con el tema de esta versión, los zombies”, dijo Taira Pizarro, productora del certamen.

Pizarro agregó que “el festival está pensado para potenciar el intercambio de experiencias y emociones, por eso mismo durante la exhibición de las obras el público tendrá la posibilidad de hacer preguntas a los directores de las películas, aprender algunas técnicas de cine y maquillaje, y otras cosas”.

Pre-Lanzamiento Tercer Festival Internacional Freak Terror Gore Bizarro Valparaíso 2012 Viernes 25 de Mayo de 2012 / 21 horas Casa Arte de Valparaíso / Blanco 394

Realizadores, estudiantes, público y periodistas interesados en asistir, enviar mail con sus datos personales a freakterror.bizarro@gmail.com.

Más información en www.freakterror-bizarro.blogspot.com

Hay cosas que ocurren sin que uno se las pueda explicar muy bien, pero suceden y lo peor es cuando uno está en el medio, por ejemplo hoy que en la habitual sección Mi Discoteca aparecen de sopetón tres discos reseñados.

Sin embargo el inconsciente se alinea con la razón (o es más bien es al revés) y rápidamente podemos contar (entender) que comparten el ser no sólo tres discos de jazz, sino además tres momentos sin igual en la historia del género: Bill Evans, reinventando el trio; Charles Mingus abriendo los límites de la composición y por último, el siempre visionario Miles Davis, dándole una buena patada en el culo a más de 70 años de tradición y enviando al jazz (y su propia música por delante) muy lejos, hacia un futuro que sólo él en ese momento era capaz de intuir.

Bill Evans “Waltz fo Debby” (1961)

Debby era el nombre de la sobrina regalona del genial pianista y compositor de Nueva Jersey, y “Waltz for Debby”, una canción compuesta para ella mientras cumplía su servicio militar a principios de los ´50. Finalmente fue en 1961 el nombre de un disco que revolucionó el Jazz. Sin embargo, dos años antes de presentar al mundo esta obra maestra, Evans ya había entrado en la historia al ser parte fundamental en la concepción del más importante álbum de jazz de todos los tiempos, “A kind of Blue” de Miles Davis. Sus aportaciones fueron tales que no sólo direccionó a la banda hacia la improvisación Modal que marcaría una de las revoluciones musicales más influyentes del siglo XX, sino que además fue escogido por el trompetista para abrir su disco con un inolvidable intro, de hecho fue Evans uno de los pocos músicos blancos frente a los cuales el exigente y soberbio Davis se quedaba callado escuchando.

No contento con eso, abandonó la cumbre en la que estaba (leáse: dejó la banda) y se largó a revolucionar el jazz por cuenta propia. “Waltz for Debby”, fue grabado en vivo el 26 de junio de 1961 durante la última de una serie de presentaciones de su grupo en el mítico Village Vanguard de Nueva York; y además de resumir toda la escuela del personalísimo sonido de Evans (desde el delicado lirismo que explayaba a través de su portentosa técnica, hasta sus experimentos armónicos bajo la fusión del bop con la música clásica, en especial la de los impresionistas franceses), marcó el nacimiento del más moderno formato del jazz trio, ese donde la base rítmica (conformada por Paul Motian a la batería y el enorme Scott LaFaro al bajo) comenzaba a dialogar de igual a igual con el piano. Los contrapuntos entre los tres instrumentos son fundacionales y la audacia tanto de Motian como de La Faro son agradecidas hasta el día de hoy desde todos los sectores del género, llegando a alturas inconmesurables como en “My Romance” o “Milestones”.

Nunca hubo hasta entonces un trío igual y nunca más lo volvió a haber tampoco, porque tan sólo diez días después de esta grabación, Scott LaFaro, el bajista más talentoso e importante de su generación, muere trágicamente en un accidente de auto al dirigirse hacia un ensayo, tenía apenas 22 años. Tras su muerte el grupo se disuelve pero Bill Evans, que había incluso abandonado la música tras el duro golpe, afortunadamente volvería para continuar puliendo su escuela formando otros tríos, dando la vuelta al mundo y grabando un puñado de álbumes maravillosos, también con otros formatos, hasta su también prematura muerte, ocurrida en 1980 a los 50 años.

Charles Mingus, “The Black saint and the sinner lady” (1963)

Hay que partir señalando que si a Ellington se le atribuye la invención de lo que hoy conocemos por Jazz, a Charlie Parker el genio ilimitado, a John Coltrane el corazón de todo, a Miles Davis la visión infinita hacia lo que estaba por venir, entonces concordemos en que a Charles Mingus le correspondió llenar a esta música de carácter e imaginación, además de un inconformismo totalmente luminoso. Y es que Mingus, el inolvidable contrabajista, el inigualable compositor, el vanguardista director de orquestas o de grupos reducidos y virtuoso pianista, llegó a grabar el piano para un disco de un tipo que siempre contrató a los mejores sidemen, el perfeccionista Miles Davis. Todo eso y más se encuentra en esta, una de sus obras más perfectas y aclamadas, la primera Danza para Ballet escrita para una BigBand de Jazz. Diez músicos rodean a Mingus en esta aventura: 2 trompetas, 1 trombón, 1 tuba, 3 saxos, 1 guitarra y la rítmica habitual de Jaki Byard en el piano y Dannie Richmond en la batería.

Es esta su apuesta más sinfónica y también un verdadero compendio de todos los capítulos de su música; y si algunos creían qua ya a estas alturas estaba absolutamente desquiciado, el hombre respondió agregando un comentario de su sicólogo en el librito del disco. Siempre provocando o más bien defendiendo una propuesta artística muchas veces incomprendida y atacada, tanto como sus ideas sobre el racismo social y la explotación a la que eran sometidos los músicos negros, llego a tener fundar su propio sello discográfico. Un verdadero activista, de la vida y la música. Otro imprescindible del siglo XX.

Amo y admiro la obra de muchos en el Jazz, pero por una u otra razón siempre vuelvo a este músico que en un momento dejó su carrera para volver a trabajar en su antiguo puesto en la oficina de correos, porque nunca buscó ni aplausos ni fama con su obra, sólo sacar afuera lo que tenía dentro. Menos mal que luego regresó; porque si Ellington es el swing, Charlie Parker el bebop, Coltrane el hard bop o el free, Miles Davis el cool o el jazz rock, Mingus siempre será sencillamente Mingus, un estilo en sí mismo, como casi nadie en el Jazz, una obra hecha a mano, con rigor, mucho sudor y la más grande cuota de talento e imaginación jamás vista sobre un estudio o escenario; con o sin público, un personalísimo y perfecto camino abierto y que nunca ningún músico se ha sentido con el coraje de poder continuar con dignidad.

Si no conoce aún a Mingus, esta es su oportunidad y la del asombro.

Miles Davis, “Bitches Brew” (1969)

La penúltima de las cinco revoluciones musicales de Miles Dewey Davis III. En pleno ascenso del Free Jazz, e inspirado profundamente por las andanzas de Jimy Hendrix, toma, al tiempo que crea, un camino paralelo electrificando a todo el mundo (léase a toda su banda), utilizando además dos bajos, dos teclados y dos baterías y sentando así las bases para lo que sería el Jazz Rock. Esto es lo que sucedió durante tres días de improvisaciones en agosto de 1969 entre Miles y sus jóvenes músicos quienes no se enteraron que eso era un disco hasta que lo vieron publicado un año después (gracias a un enorme trabajo de post producción junto a Teo Macero) convirtiéndose en el primer álbum de jazz que vendió más de 500 mi copias en un solo año.

El trompetista de Illinois fue acusado por la crítica reaccionaria de venderse al mercado pero lo cierto es que el trabajo en sí no imitaba tendencia alguna oída hasta entonces, ni en el jazz, el rock o el pop; y tampoco contó con difusión radial debido a sus larguísimas canciones, algunas de ellas de más de 20 minutos; o sea, no había por donde considerarlo un álbum típicamente comercial. Y si Miles Davis perdió a algunos ortodoxos seguidores desde el jazz, los multiplicó hasta el infinito desde otras corrientes. Aquí están reunidos, otra vez, todos los talentos y las marcas registradas que hicieron de Davis el músico más influyente del Jazz desde la era Ellington; desde su tremenda maestría en la dirección musical, pasando por su extraordinaria visión artística y por supuesto su gran olfato al convocar a jóvenes músicos que posteriormente iban a dar vida a lo más granado de la evolución del movimiento, en este caso a extraordinarios y puntales experimentos de fusión desde comienzos de los ´70: Joe Zawinul, Wayne Shorter y Airto Moreira (Weather Report), John McLaughlin y Billy Cobham (Mahavishnu Orchestra), Chick Corea y Dave Holland (Circle), el mismo Chick Corea ahora con Lenny White (Return to Forever ) y Don Alias junto a Steve Grossman (Stone Alliance), por nombrar sólo algunos ejemplos.

La paternidad de Miles sobre todo lo que se tocó después en el mundo del jazz es incuestionable y fue tal impacto de “Bitches Brew” que desde entonces comenzó a ser invitado a festivales de Rock e incluso él mismo, seguro y engreido como era, se jactaba en pleno auge del Progresivo y el Hard de tener a la mejor banda de rock del mundo !! Después de esta obra maestra no hubo marcha atrás para Miles Davis, lo arriesgó todo (incluso el respeto de críticos y fans) y jugó a ganador; pero nunca más volvió a hacer jazz tradicional; y no contento con este golazo se atrevió a una más metiendo a fusionar su trompeta con el Rap durante los ´80, trabajos que despertaron nuevamente feroces críticas, pero que sin duda cargan encima con su clásico sonido y su tremenda visión, arrojo y apertura, pero esa es otra historia.

Por Rodrigo Acuña

El primer disco solista de esta interesante compositora nacional, es un trabajo de 3 años que consta de seis temas + un bonus track, y que presenta una potente mezcla de rock con poesía chilena, con una especial dedicación en la composición de las canciones. Destaca una voz privilegiada y llena de sentimiento junto a las guitarras de Rodrigo Berrios, y los arreglos para banda realizados en el estudio de Jorge Gallardo y Carolina Ibañez (Hipnopómpicos, Fondart 2010).

El disco fue lanzado con un show en vivo en el Patio Volantín de Valparaíso (subida Ecuador 382), el pasado viernes 13 de abril. La presentación contó con un importante marco de público, que además pudo presenciar los shows de los amigos de Taira, el grupo santiaguino Los Himnopómpicos y los porteños Afeitando la Comadreja.

Además, la autora realizó una muestra de sus últimas creaciones pictóricas en óleo, una serie de 11 cuadros que estará en exhibición en el Patio Volantín hasta el 29 de abril.

Taira compone desde el año 2002. Desde esa fecha, ha formado las bandas “Hermanos Casablanca” (2004) y “Gatichaves” (2006). Con los últimos tiene un interesante registro en vivo: “Tour Marginal” (2006). De esa época es también su participación musical con “Barraco” Parra (hijo de Nicanor), Jorge Lobos (de La Negra Ester) y Andy Casablanca (guitarrista de Mauricio Redolés), con quienes formó una agrupación con repertorio de boleros antiguos y folkstrot de culto.

También participó como vocalista en la obra “Los Salmos del Olvido” (2006) con la banda “Los Bluseros Muertos”, y grabó el disco “Taira canta las canciones de Jorge Gallardo” (2008), una serie de boleros experimentales donde destaca una versión del poema “La vejez de Narciso”, de Enrique Lihn.

Su carrera como cantante se inició a los 16 años, durante una gira por Francia y Alemania con el Teatro del Silencio (con la dirección de Mauricio Celedón). Ahí trabajó como asistente técnico de escenario y realizó algunas presentaciones como cantante y bailarina en un grupo de Flamenco y música popular latinoamericana en una gira por festivales en Alemania.

Taira intercaló su carrera musical con estudios de Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Chile, egresando el año 2007. Desde entonces se ha dedicado a la Pintura en forma profesional, realizando varias exposiciones en distintos lugares de Santiago, como el “Expo- Bar Santo Remedio” y la discoteque “Oz”.

Sus obras han sido seleccionadas para muestras en Canadá (“Latinoamerica 2006 Etobicoke Art Gallery” (www.fundartelatinoamerica.com), pintura “Missery”), y Santiago (“Laberintos de amor y erotismo”, 9ª versión de la Muestra Colectiva de Artes Visuales de la Corporación Cultural de La Reina, realizada en la Casona Nemesio Antúnez el pasado 2011).

Ahora, entre el 24 de abril y el 8 de mayo, Taira realizará una gira por Buenos Aires, Argentina, junto al guitarrista Rodrigo Berríos. Allá tienen agendadas una serie de shows en centros culturales, locales y espacios públicos, además de varias visitas a radios comunitarias e independientes.

DESCARGA Libro de Canciones en http://www.mediafire.com/?f5a248cogsuzhto

Más información de Taira en www.tairapizarro.blogspot.com

La pintura “Trasluz”, parte de la muestra que está en exhibición en el Patio Volantín.

Hasta el 30 de abril en el Espacio Taukare (Lautaro Rosas # 593, Cerro Alegre, Valparaíso) estará abierta esta exposición del colectivo artístico Mamíferos de Patio, con entrada es liberada.

La obra de los artistas Felipe Villar, Caro Álvarez y La nutria Le Corot darán vida a este acontecimiento fundado, probablemente, en la desorganización estilística (cosa que se agradece) y la puesta en escena de una sensibilidad extrema frente al trabajo y sus consecuencias. Un acrílico sobre piedra, ilustraciones y peluches mutantes, pinturas y trabajos en bronce, acritud e irreverencia, materiales nobles como la madera (por cierto, intervenida) harán del espacio una señal imposible de obviar. Estos jóvenes artistas, cada uno con sus trancas, agrupados por el sello colectivo, talentosos y desconocidos, son la contraparte de la cultura oficial imperante, del despliegue neurótico erigido por las instituciones. Cabría entonces hablar de libertad en el sentido profundo de la palabra. Acá la ironía, la mofa, si se quiere, y la sutileza, emplean un ritmo, un tono. La desorganización de la que hablaba en un principio es calculada. Todo el azar que alberga una obra, por muy meditada que parezca, acá se conjuga con el discurso de los otros. Digo los otros tentado por la cursiva, por la última palabra. Es de esperar que el arrojo (desdeñado por la cultura oficial y sus gestores) haga eco de este evento que es una posibilidad y una forma de acercarse al arte actual. Arte que no necesita de un territorio, ni menos de una institucionalidad.

Mamíferos de patio en Espacio Taukare
Lautaro Rosas # 593 Cerro Alegre, Valparaíso
Horario: Lunes, jueves y domingo de 12:00 hrs. a 19:00 hrs.
Viernes y sábados de 12:00 hrs. a 21:00 hrs.

Por Carlos Peirano
Fotografías gentileza de Mamíferos de patio

Diseñar un secador de frutos, construir con material de desecho una huerta orgánica, reutilizar bolsas plásticas para diseñar carteras son algunas de lasposibilidades de aprendizaje que ofrece el Centro de Extensión (CENTEX) del CNCA en conjunto con la ONG Canelo de Nos, que a partir del martes 17 de abril darán inicio a una jornada de diversos talleres que promueven el desarrollo de una sociedad más sustentable, justa y saludable.

Bajo la metodología del aprender-haciendo, la organización independiente y sin fines de lucro, Canelo de Nos, apuesta por promover tecnologías a escala humana, apoyar los procesos de desarrollo local participativo, contribuir a la formación de sujetos críticos y fomentar emprendimientos  basados en la cooperación, la solidaridad y el trabajo en red. Canelo de Nos pone en primer lugar al ser humano pensando siempre en el desarrollo de sus potencialidades en armonía con su entorno físico y social.

Los seis talleres que se impartirán son con entrada liberada, previa inscripción. Cada versión de los talleres se compone de sólo una sesión  (2 horas), por eso los interesados deben explicitar el día en que desean realizarlo. Para participar es necesario completar el formulario disponible en www.centex.cl y enviarlo a talleres.centex@cultura.gob.cl

A continuación el horario y la descripción de cada uno de los talleres:

Estoy seguro que en los bosques del sur se ha fraguado la dulzura y frescor del viento que se metió en los más recónditos pliegues de la mirada de aquella machique un día lloró de furia. Porque le han arrebatado su tierra y su agua y sus gallinas y hasta su olor a humo que, al fin y al cabo, es el olor del mapuche.

Por eso lloró una tarde suave de estío cuando se aparecieron los funcionarios que, sin duda, son hijos de otros funcionarios que, también, son nietos de otros funcionarios que han estado llegando a su ruka desde siempre para usurpar su tierra. Es que, dijo en medio de su llanto de ira, antes llegaban matando a caballo, después con papeles en lengua extraña que nunca entendimos, y así fuimos perdiendo todo. Y ahora nos hablan de un bicentenario, de celebrar felices porque todos somos chilenos. Y yo exigiendo mi tierra en mi lengua y ellos diciendo que hable español, que nadie entiende mapudungun y que hay diccionarios y enciclopedias reales que puedo leer. Para aprender, claro, y olvidar el pasado. Y yo exigiendo mi tierra y ellos riéndose.

Entonces me puse a llorar, pero quedamente para que no se dieran cuenta. Y de la misma manera me fui a las profundidades del bosque antiguo para retomar el grito libertario de Leftraru, porque aquí nada ha cambiado, hermano.

Por Rakiñ

Publicado en nuestra Angustia 22 / Impulso 53

Cuando Amalia Bravo se fue a Madrid el año 2003, lo hizo sabiendo que iba “a la aventura”. “Me vine porque me había separado recién, y con lo que ganaba en Chile no me alcanzabapara darle una carrera a mi hijo”, cuenta desde el Viejo Continente esta mujer oriunda de Villa Alemana (Quinta Región).

Sin papeles y en situación irregular, Amalia logró abrirse paso como camarera en el centro de Madrid y después como asistente en un hogar de ancianos, iniciando así un recorrido que la llevó por varios trabajos, siempre en la misma condición: sin contrato.

“Aquí nadie te contrata porque a los inmigrantes los miran como esclavos, los hacen trabajar muchísimo por muy poco dinero”, dice resignada.

Tras deambular varios años en esta condición, la villaalemanina finalmente logró obtener el ansiado permiso laboral. “En uno de los trabajos conseguí un contrato, saqué mi permiso de residencia para estar en mejores condiciones, pero no me sirvió de nada porque cuando me tocó renovarlo, me pasó lo que me pasó”.

¿Y qué le pasó? Amalia empezó a trabajar en una empresa familiar donde de nuevo le negaron el contrato, “pero me dijeron que si yo era buena, me lo podían hacer en seis meses, así que me quedé trabajando. Pasaron los seis meses, pasó un año, un año y medio, dos años, y al final no hicieron nada, así que perdí de nuevo mi permiso de residencia, porque sólo te lo renuevan si tienes un contrato”.

Por eso Amalia se aburrió y decidió presentar una demanda contra estos empleadores, que según ella, le deben 11 mil euros.

“Es una empresa que destina gente a distintos trabajos. Lo que me deben es lo del seguro social, las vacaciones y dos aguinaldos que se dan acá, uno en junio y otro en diciembre”, explica Amalia, quien actualmente vive una compleja situación pues está cesante y viviendo de la caridad de una familia de chilenos.

“Mis empleadores primero no querían reconocer que yo había trabajado para ellos, pero logramos que lo hicieran, así que ahora el 7 de mayo tenemos el juicio definitivo donde el juez va a decir quién tiene la razón, si ellos o yo”.

Amalia reconoce estar cansada de la situación y quiere regresar a Chile, pero no tiene los medios para hacerlo. “Mi sueño siempre ha sido volver, como sea, pero es difícil, un pasaje cuesta 900 euros como mínimo”, señala. De ahí la importancia que tiene el juicio del próximo 7 de mayo, pues de ganarlo, se concretaría el tan ansiado retorno.

“Aquí en España me han estafado, me han humillado, me han quitado 2 años de mi vida. Yo podría tener la nacionalidad, pero no la tengo por culpa de mis empleadores, por ellos estoy en la situación que estoy, y hay muchísima gente que está igual. Estoy bastante desilusionada de este país”, confiesa, agregando un dato no menor: “España está muy, muy mal”.

“Muchas personas vienen aquí a probar suerte porque está la creencia de que es bueno y conviene, pero una vez que llegan aquí, se encuentran que no hay nada. Si tú ves las noticias, todo lo que tiene que ver con la crisis, este es uno de los países que está peor. Ya hay muchísima gente que se está volviendo, familias enteras están regresando con el retorno voluntario que le llaman acá, que te pasan los pasajes y algo de dinero, pero eso es sólo para familias que tienen niños, para personas solas no”, afirma Amalia.

La poeta

En medio de este complejo panorama, Amalia descubrió una vocación oculta: la poesía. “Desde la primera semana en que llegué empecé a escribir poemas. Antes no tenía ninguna relación con la poesía, sólo había leído a Gabriela Mistral y Pablo Neruda, lo típico que te hacen leer en los colegios, pero nunca había escrito nada”.

Poco a poco, Amalia fue llenando libretas y cuadernos con pensamientos, versos y canciones. De hecho, a la semana de estar en España ya tenía un poema dedicado a Madrid. Fue tanta la pasión que despertó en ella la poesía, que pronto sus textos fueron creciendo en extensión y se hicieron obras completas, llegando así a la publicación de tres libros.

“Todas son publicaciones independientes, hechas con mucho esfuerzo, juntando peso a peso. El primer libro se llama ‘Con acentos’, y saqué 500 copias. Ahí aparezco con un poeta de Cuba, uno de Argentina, uno de Ecuador y otro de Chile. Del segundo saqué 3.500 copias, se llama ‘Los dedos del cactus’. Y del tercero también saqué 3.500 copias. Se llama ‘Bajo mi piel’. Todos los vendo mano a mano”, relata con entusiasmo.

Pero Amalia no se quedó sólo en los libros. También publica sus poemas en su cuenta de Facebook, donde tiene varios textos subidos. En su mayoría, se trata de sentidos escritos dedicados al amor y la distancia. En “Soledad”, Amalia escribe: “Siempre sola, como un impar / siempre estorbando, sobrando / los números primos o impares / han sido creados para estar solos / como yo / pero sigo creyendo en el verbo creer / porque es un verbo especial / el más ancho y estrecho a la vez”.

El ausente territorio también aparece en su poesía. En “A mi sur llamado Chile”, Amalia dice: “El hielo cruje y se estremece / como un ciervo vivo / su ruido se une al viento / y al mar furioso / la luna ilumina tenues desiertos plateados / y palacios de aguas congeladas”.

Mientras espera pacientemente el día del juicio contra sus ex patrones, Amalia se apoya en la poesía para sobrellevar su difícil momento. “Las hojas en blanco son mis amigas, a ellas les cuento mis penas y mis alegrías”, nos dice con melancolía, concluyendo con el que es, por ahora, su lema de vida: “Amo la poesía porque ella es quien me ayuda a vivir lejos de mis seres queridos”.

Por Absalón Opazo M.

El río venía a toda velocidad mientras su gente se protegía adentro de un Nissan b16. Los gritos, las flautas y el pelador de cuchillo intentaban mantener la calma en el asiento del copiloto aunque las ganas por devorar los huevos duros y succionar el hierro eran incontrolables…………………………….rosa mosqueta, lingüística y corno inglés.

Al día siguiente el gordo encontró destrozado su pueblo, empacó sus cosas y se fue rumbo a la ciudad de Valparaíso. Durante el trayecto venía descargando discos de The Cramps, Joy Division, SonicYouth y T Rex…………..porque le habían comentado que existía una fauna de personas muy parecidas a él ; con los mismos gustos estéticos y musicales……………….tenía suerte el muy puto ya que lo esperaba otra familia con los brazos abiertos sin llegar a denigrarse como roble.

Una vez que llegó a ese encantador puerto decidió buscar algún lugar para comer, beber y defecar. Pasaron 2 horas y averiguó el lugar donde se desarrolla la movida del carrete, se dirigió a plaza Aníbal Pinto………………….la pulpa misma donde podrá generar herencia.

Llegó muy canchero fumando un cigarro y sus ojos se iluminaron de lo emocionado que estaba al darse cuenta que llegó al corazón de la locura buena onda y gratuita. Empieza a tomar cerveza como cerdo…………..Luke Perry me encanta……..y conoció gente casi de la misma frecuencia; imbéciles, feos, rascas y seudocomunistas.

Luke Perry siempre estuvo en mi corazón desde la fraudulenta investigación de resortes en picada por mañana que cuelga de lo mejor del buque que te obliga a conseguir amistades que te chupen el pico y que constantemente te digan que eres vanguardista ….hijo de la gran puta…….represa blanca que olvidó enterrar el dolor del Nissan b16 que cayó por pena a los bronquios de aquel banquero que no pudo explorar lo que se venía en Mayo……….recuerda que en ese mes tus secretos patrióticos serán clave para crear un nuevo tipo de control y ejército para eliminar las manzanas confitadas, el resfriado, la úlcera, los punks y cualquier puta carrera de artes o música que se ubique en cualquier puto cerro………………………………….en Quilpué y Villa Alemana hay espacio suficiente para que la nueva camada de exiliados puedan plantar sus ideales libremente sin llegar a estropear un hermoso encuentro familiar en el “Bravísimo” de Viña del Mar…………………….qué rico después viene el paseo en “Pony”!!

El dueño del “Pony ” era familiar de segundo grado del gordo emocionado que estaba en la plaza Aníbal Pinto. Nunca se informó de su existencia……………….eso no quiere decir que sea una persona fría y que no quiera mantener una estrecha conexión con su familia. El tiene otras preocupaciones como bailar, vomitar, comprarse un cortavientos amarillo, lustrar sus zapatos y terminar de armar el puzzle de “Beverly Hills 90210 ”.

Por Michel Lefranc

Con autorización de la editorial Siglo XXI, el periódico La Jornada de México ofreció un avance, a manera de primicia, del nuevo nuevo libro de Eduardo Galeano, cuyo lanzamiento oficial ocurrirá el 17 de abril, de manera simultánea en España, Argentina y México.

Y los días se echaron a caminar.
Y ellos, los días, nos hicieron.
Y así fuimos nacidos nosotros,
los hijos de los días,
los averiguadores,
los buscadores de la vida.
(El Génesis, según los mayas)

Enero 7
La nieta
Soledad, la nieta de Rafael Barrett, solía recordar una frase del abuelo:
–Si el Bien no existe, hay que inventarlo.
Rafael, paraguayo por elección, revolucionario por vocación, pasó más tiempo en la cárcel que en la casa, y murió en el exilio.
La nieta fue acribillada a balazos en Brasil, en el día de hoy de 1973.
El cabo Anselmo, marinero insurgente, jefe revolucionario, fue quien la entregó.
Harto de ser un perdedor, arrepentido de todo lo que creía y quería, él delató, uno por uno, a sus compañeros de lucha contra la dictadura militar brasileña, y los envió al suplicio o al matadero.
A Soledad, que era su mujer, la dejó para el final. El cabo Anselmo señaló el lugar donde ella se escondía, y se alejó.
Ya estaba en el aeropuerto cuando sonaron los primeros tiros.

Enero 9
Elogio de la brevedad
Hoy se publicó, en Filadelfia, en 1776, la primera edición de Sentido común.
Thomas Paine, el autor, sostenía que la independencia era un asunto de sentido común contra la humillación colonial y la ridícula monarquía hereditaria, que tanto podía coronar a un león como a un burro.
Este libro de cuarenta y ocho páginas se difundió más que el agua y el aire, y fue uno de los papás de la independencia de los Estados Unidos.
En 1848, Karl Marx y Friedrich Engels escribieron las veintitrés páginas del Manifiesto comunista, que empezaba advirtiendo: Un fantasma recorre Europa… Y ésta resultó ser la obra que más influyó sobre las revoluciones del siglo veinte.
Y veintiséis páginas sumaba la exhortación a la indignación que Stéphane Hessel difundió en el año 2011.
Esas pocas palabras ayudaron a desatar terremotos de protesta en varias ciudades. Miles de indignados invadieron las calles y las plazas, durante muchos días y noches, contra la dictadura universal de los banqueros y los guerreros.

Enero 10
Distancias
Tosiendo marchaba el coche. Y a los tumbos, apilados dentro del coche, viajaban unos músicos. Ellos iban a alegrar una reunión de campesinos, pero ya llevaban un largo rato perdidos en los hirvientes caminos de Santiago del Estero.
Los despistados no tenían a quién preguntar. Nadie había, nadie quedaba, en aquellos desiertos que habían sido bosques.
Y de pronto apareció, en una nube de polvo, una niña en bicicleta.
–¿Cuánto falta? –preguntaron.
Y ella dijo:
–Falta menos.
Y en el polvo se fue.

Enero 11
El placer de ir
En 1887 nació, en Salta, el hombre que fue Salta: Juan Carlos Dávalos, fundador de una dinastía de músicos y poetas.
Según dicen los decires, él fue el primer tripulante de un Ford T, el Ford a bigote, en aquellas comarcas del norte argentino.
Por los caminos venía su Ford T, roncando y humeando. Lento, venía. Las tortugas se sentaban a esperarlo.
Algún vecino se acercó. Preocupado saludó, comentó:
–Pero don Dávalos… A este paso, no va a llegar nunca.
Y él aclaró:
–Yo no viajo por llegar. Viajo por ir.

Enero 12
La urgencia de llegar
En esta mañana del año 2007, un violinista ofreció un concierto en una estación de metro de la ciudad de Washington.
Apoyado contra la pared, junto a un tacho de basura, el músico, que más parecía un muchacho de barrio, tocó obras de Schubert y otros clásicos, durante tres cuartos de hora.
Mil cien personas pasaron sin detener su apurado camino. Siete se detuvieron durante algo más que un instante. Nadie aplaudió. Hubo niños que quisieron quedarse, pero fueron arrastrados por sus madres.
Nadie sabía que él era Joshua Bell, uno de los virtuosos más cotizados y admirados del mundo.
El diario The Washington Post había organizado este concierto. Fue su manera de preguntar:
—¿Tiene usted tiempo para la belleza?

Enero 17
El hombre que fusiló a Dios
En 1918, en Moscú, en plena efervescencia revolucionaria, Anatoli Lunacharski encabezó el tribunal que juzgó a Dios.
Una Biblia fue sentada en el banquillo de los acusados. Según el fiscal, Dios había cometido, a lo largo de la historia, numerosos crímenes contra la humanidad. El abogado de oficio alegó que Dios era inimputable, porque padecía demencia grave; pero el tribunal lo condenó a muerte.
Al amanecer del día de hoy, cinco ráfagas de ametralladora fueron disparadas al cielo.

Enero 27
Para que escuches el mundo
Hoy nació, en 1756, Wolfgang Amadeus Mozart.
Siglos después, hasta los bebés aman la música que nos dejó.
Está comprobado, muchas veces y en muchos lugares, que el recién nacido llora menos y duerme mejor cuando escucha la música de Mozart.
Es la mejor bienvenida al mundo, la manera mejor de decirle:
–Ésta es tu nueva casa. Y así suena.

Marzo 6
La florista
Georgia O’Keeffe vivió pintando, durante casi un siglo, y pintando murió.
Sus cuadros alzaron un jardín en la soledad del desierto. Las flores de Georgia, clítoris, vulvas, vaginas, pezones, ombligos, eran los cálices de una misa de acción de gracias por la alegría de haber nacido mujer.

Abril 3
Buenos muchachos
En 1882, una bala entró en la nuca de Jesse James. La disparó su mejor amigo, para cobrar la recompensa. Antes de convertirse en el más famoso bandolero, Jesse había combatido contra el presidente Lincoln, en las filas del ejército esclavista del sur. Cuando los suyos perdieron la guerra, no tuvo más remedio que cambiar de trabajo. Así nació la banda de Jesse James.
La banda, que usaba máscaras del Ku Klux Klan, inició sus actividades asaltando un tren por primera vez en la historia de los Estados Unidos; y tras desplumar a todos los pasajeros, se dedicó a desvalijar bancos y diligencias.
La leyenda cuenta que Jesse fue algo así como un Robin Hood del Salvaje Oeste, que robaba a los ricos para ayudar a los pobres, pero nunca nadie conoció a un pobre que hubiera recibido una moneda de sus manos.
En cambio, sí está probado que él ayudó mucho a Hollywood. La industria del cine le debe cuarenta películas, casi todas exitosas, donde los más famosos astros, desde Tyrone Power hasta Brad Pitt, han empuñado su revólver humeante.

Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2012/04/03/index.php?section=opinion&article=a05a1cul

Hace un par de años atrás tuve que embarcarme en una motonave por motivos laborales desde Valparaíso rumbo al mítico puerto de Filadelfia. El buque en si era como un edificio antiguo, lleno de recovecos y bodegas misteriosas, que crujía de tanto en tanto pero equipado con la más alta tecnología para capear en mar abierto las denominadas “montañas de agua”.

Adentrado ya en el Pacífico, esta dimensión del océano se transforma en una alfombra transparente, una pista de hielo infinita que se moldeada por el suave viento sur que transita rozando la superficie. A medida que avanza la nave, esta va cortando sutilmente las planicies acuáticas dejando atrás una estela de ondas triangulares que van desapareciendo conforme se avanza en nudos marítimos.

Recuerdo que en aquella época había publicado un poemario (Oceánica, poemas de ultramar) y tuve la idea de llevar algunos ejemplares para distribuirlos en el circuito literario de aquella ciudad. Luego de algunos días de viaje cruzamos el Canal de Panamá, para dar comienzo a la segunda parte del periplo a través de las siempre traicioneras aguas del Atlántico. Sin duda este es un océano fiero, aquí manda el viento, amo y señor de estas latitudes. La nave fue azotada por varias tempestades y olas enormes.

Luego de unos días salió el sol que se reflejaba con una luminosidad absoluta sobre el espejo oceánico. A lo lejos se veía el horizonte, y más allá unos montes que variaban de tanto en tanto sus formas y según lo que me contaron los marinos rusos, eran las misteriosas “montañas de agua”, formas de agua que viajan apareciendo y desapareciendo a su antojo en los variados puntos geográficos del orbe.

Una noche salí a cubierta para contemplar el mar, pensé en bautizar mi libro en medio del océano, y así fue, dejé caer un ejemplar a las aguas, y mientras la nave se alejaba pude apreciar cómo se iba hundiendo lentamente en los abismos oceánicos para no aparecer jamás.

Por Felipe Ugalde

Publicado en Cavila Nº18
(Misiva 191 / Vacío 562)

Ya está vigente en Valparaíso la Ordenanza Municipal que castiga a quienes sean sorprendidos rayando las paredes. El alcalde de Valparaíso, el UDI Jorge Castro, dijo que “en esta segunda fase, los infractores deberán recuperar la superficie dañada y en los casos de espacios públicos, pediremos una multa que deberá ser determinada por el informe que realizará la dirección de aseo, por el daño causado”

La nueva Ordenanza se aplicará a todos los que rayen o dañen inmuebles públicos y privados, monumentos o bienes nacionales de uso público. Quien sea sorprendido en ese acto, deberá realizar labores sociales en beneficio de la comunidad, tal como le sucedió a J.A.M.A, de 19 años, el primer castigado por la nueva reglamentación comunal. El joven tuvo que limpiar la pared ubicada en uno de los costados de la multitienda Ripley.

Según consigna la nota enviada por el departamento de prensa municipal, J.A.M.A habría declarado a la prensa que el castigo “le sirvió como una lección”, y se comprometió a no volver a rayar los espacios públicos de la ciudad.

En conversación con AMARC Chile, Claudia Torres, periodista y comunicadora de Radio Santa María de Coyhaique abordó el estado del movimiento, la angustia de la gente que encontró un espacio en la radio y el valor de la práctica en red, que produjo que muchas radios comunitarias amplificaran las voces ciudadanas de su emisora.

Luego de que la Intendenta de la Región de Aysén, Pilar Cuevas, dijera que la Radio Santa María incitaba a la violencia, un apoyo transversal comenzaron a dar los auditores a la emisora local, quienes ya lo estaban haciendo en audiencia por su compromiso con el movimiento social.

En aquellas jornadas de protesta, y cuando la oscuridad daba la oportunidad para la impunidad con la cual actuaba Carabineros y Fuerzas Especiales, como denunciaron sus habitantes, el micrófono abierto del programa de trasnoche, “Tu Problema es mi problema”, conducido por la periodista Claudia Torres, fue el espacio para la información, el desahogo, la denuncia, la preocupación de muchos oyentes.

Pese a que auditores criticaban a la radio por no ser objetiva y azuzar a la gente cuando las barricadas y los disturbios, a su juicio, no eran tales, el micrófono seguía abierto y la conductora dialogaba y escuchaba con aquellos que opinaban distinto. Este verdadero ejercicio de libertad de expresión, sin embargo, se vio enfrentado a las denuncias y presiones de censura de autoridades civiles y militares.

“Uno en la vida tiene una postura, uno no es imparcial. La radio, en este sentido, tiene una postura, tiene un compromiso como medio de comunicación social porque hay que ser fieles a quienes nos necesitan. El 99% de los medios han estado siempre del lado de los poderosos, del gobierno de turno, de los poderes económicos. Sabemos que los consorcios radiales en Chile son brutales y que un medio que esté del lado de la verdad y de la gente es valioso” sostiene Claudia Torres.

Si bien el rechazo de la autoridad caló hondo en la radio, el cariño y respaldo de la gente ha sido la mejor motivación para seguir apoyando las demandas sociales de una región tan postergada como el resto de la Patagonia. “No nos sorprende mucho (la actitud de la autoridad), pero no vamos a aplicar autocensura. La sanción social es más fuerte para ello. La radio tiene que ser un agente de cambio. La radio es parte de la comunidad, es de la comunidad. La gente toma su radio y dice la ‘radio Santa María es mi radio’”.

“A palos no vamos a dialogar”

Lejos de sentirse una héroe, como la reciben en muchas partes que ha visitado en las últimas semanas, la periodista de Radio Santa María critica la represión y el actuar de los medios nacionales que no mostraron la realidad del conflicto relevando las voces de los afectados, quienes sí tuvieron su espacio en Santa María para contar sus propios relatos.

“El poder decir la verdad y que esa verdad sea contada por uno hizo mucho sentido. La misma dueña de casa contaba lo que estaba viviendo mientras la represión se hacía presente. Ahí se produjo el quiebre con el Estado porque nosotros no podemos aceptar que nos vengan a golpear para hablar. Se produjo cohesión y solidaridad social. Los medios nacionales estuvieron ahí, pero no haciendo la pega de noche ni de madrugada. La agresión fue sistemática y organizada contra la gente, como si fueran delincuentes; en la noche, por detrás, en las poblaciones, a las mujeres solas. El Estado es el responsable de esta agresión, sin embargo, a través de los micrófonos esa golpiza y esa represión no quedaba en el silencio”, relata Claudia.

Ahora, cuando comienzan a implementarse los acuerdos y poner plazos a los logros alcanzados entre los dirigentes y el gobierno, la comunidad de Aysén ha adquirido un sentido del control social, como explica la comunicadora, para vigilar y hacer seguimiento del cumplimiento de las promesas a la región.

“El movimiento le enseñó al gobierno”

Mientras el gobierno no supo manejar el conflicto manejando de manera centralista cualquier camino que condujese al diálogo, el movimiento fue agarrando mayor fuerza desde el 13 de febrero de 2012 cuando comenzó la ciudadanía a movilizarse.

“El movimiento ha ido a ganancia siempre. Logró comunicarse como región, logró que se mostraran líderes naturales. La postura de la mesa se mantuvo con 24 dirigentes y 11 puntos a lo largo de todo el conflicto. Mientras el gobierno no demostró capacidad para organizarse en su gabinete, los dirigentes demostraron dignidad y enseñaron cómo se hace diálogo. El movimiento le enseñó al gobierno”, enfatiza Claudia.

Rescatando el grado de convicción del movimiento y la experiencia de la edad como factores importantes a la hora de los balances, que pueden servir como referente al movimiento educacional 2012, la periodista y conductora de Radio Santa María valora y agradece el trabajo en red porque “Las radios comunitarias entendieron tu problema es mi problema”, lo que revitaliza las prácticas de la comunicación comunitaria y el ejercicio de libertad de expresión y comunicación como derechos humanos.

Entrevista y texto: Raúl Rodríguez, Director Radio Juan Gómez Millas y Dirigente Mesa Nacional AMARC Chile.

Fotos: Facebook

Miro con desgano el documental sobre el calentamiento global de Al Gore hasta que aparecen unas imágenes de ciudades con simulaciones del nivel del mar en 50 o 70 años más. El avance es importante. Inmediatamente mi mente se transforma y recrea el mapa de Valparaíso fundiéndose con el de Manhattan, con el mar llegando bien arriba por la plaza Victoria, Echaurren, Aníbal Pinto. Casi todo el Plan pasa a ser fondo marino, igual como en otras ciudades más grandes que aparecen en el documental.

Imagino las escaleras perdiéndose en el fondo del océano. Imagino las infaltables agencias de turismo submarino, con potentes tours por el Valparaíso sumergido, pagables en cómodas cuotas y con distintos niveles. Imagino que igual habrá basura en el mar, y en un repentino ataque de premonición, me veo anciano pescando en la avenida Baquedano, abajo, con un cuaderno al lado.

A lo mejor el mar le tiene algo preparado a Valparaíso, una sorpresita, algo que no sabemos, como muchos no saben aún lo que es un terremoto grado siete en esta ciudad. Por mi parte, sería una experiencia sublime poder ver al viejo puerto sumergido, las escaleras llegando al mar (¿o a un bote?) y en verano los pelusas copando los miradores naturales con los mejores clavaos. Sería un lindo encuadre para terminar mis días, ojalá sea comiendo pescado fresco.

Por Absalón Opazo
Publicado en Cavila Nº18
(Misiva 191 / Vacío 562)

Si uno decide ir a pasear su humanidad por las cálidas y apacibles calles y playas de Arica tiene que prontamente comenzar a preguntar cómo diablos se llega a éste, uno de los museos nacionales más completos en su género y dedicado en profundidad al estudio de la Cultura Chinchorro, aquel grupo de pescadores que habitó el desierto de Atacama hace 9000 años y que deslumbra al mundo con el sistema de momificación artesanal más antiguo del que se tenga registro.

Ubicado a 12 kilómetros desde el centro de Arica hacia el Valle de Azapa, el lugar ciertamente tiene como atractivo principal la exhibición de las alucinantes momias chinchorro, que fueran descubiertas por Max Ulhe.

La creencia de que los muertos seguían siendo parte de la vida cultural de un pueblo, marcando territorio e identidad, los llevó a la sofisticación de sus ritos funerarios bajo un aparente sencillo sistema de momificación, que no obstante a perdurado por miles de años, tanto con adultos, niños y nonatos.

El museo además exhibe cronólogamente el poblamiento de la zona hasta prácticamente nuestros días, apoyado en dibujos, dioramas, imágenes fotográficas y una completísima colección de artefactos, herramientas, ropas, ceamicas, instrumentos musicales y muchos otros artefactos; además de una prensa del siglo XVIII con la que se extraía el famoso aceite de oliva, una de las joyitas de la zona.

Fundado en 1967, el museo sigue estando al cuidado de la Universidad de Tarapacá, quienes han habilitado una terraza con petroglifos y hace algunos años una nueva y preciosa sala profundizando específicamente el periodo Chinchorro con una prolijidad que se agradece.

Mi expriencia de años visitando este lugar me dice que es un imperdible de la ciudad y que son dos tipos de visitantes los que lo frecuentan. Los que llegan turisteando y los que llegan a aprender. La primera opción no demora más de 30 o 45 minutos, según el grado de aburrimiento que uno pueda tolerar, las fotos de rigor y chao. Los segundos en cambio pueden pasar prácticamente la tarde entera yendo y viniendo por la historia de Arica y esta fantástica cultura que le dio a la muerte un sentido tan sublime como eterno.

Texto y fotos Rodrigo Acuña

Titulados de la carrera de Óptica de la Universidad Católica de Valparaíso demandaron ante la justicia a la casa de estudios, exigiendo una indemnización de mil 550 millones de pesos.

En el libelo interpuesto en el Primer Juzgado Civil de la ciudad porteña, denunciaron que la modificación al código sanitario, vigente desde diciembre pasado, les impide ejercer su profesión.

Precisamente la ley 20.470, deja en exclusiva a los médicos oftalmólogos el emitir recetas ópticas, dejando sin campo laboral a los egresados de optometría.

El abogado que representa a medio centenar de estos titulados, Juan Pablo Crisóstomo, explicó que el millonario monto que exigen sus clientes se calculó No sólo por los gastos de la carrera, sino por los ingresos que dejaron de recibir como profesionales.

La demandada está dirigida contra el rector de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Claudio Elórtegui, y del decano de la carrera de Óptica, Carlos Wörner Olavarría.

El jurista Juan Pablo Crisóstomo, es el mismo que representa a los egresados y ex estudiantes de la carrera de Criminología de la UTEM.

Fuente: Radio Bio-Bío

Claudio Elórtegui, rector PUCV

¿Y tú cuánto cuestas? es un documental que combina entrevistas con gente común elegida al azar, parodias televisivas y segmentos animados en distintas técnicas. Ofrece opiniones de personas de diferentes clases sociales y culturales de Estados Unidos y México.

La cinta muestra cómo el capital económico determina los valores materiales y simbólicos de la humanidad, y cómo el modelo dominante y la cultura del consumo de la principal potencia de occidente, Estados Unidos, influye en la conducta y hábitos de los mexicanos.

Además, la película trata temas como el racismo, la lucha por el poder, la manipulación mediática, la crisis energética, la migración y la esclavitud. Además, trata de crear nos conciencia sobre al manipulación publicitaria y el condicionamiento al que estamos sujetos.

Degollado por Carabineros el 29 de marzo de 1985 a los 34 años de edad, Parada era jefe de Procesamiento y Archivo del Departamento Jurídico de la Vicaría de la Solidaridad. Su cuerpo apareció botado en un camino.

El caso conmocionó al país y a la opinión pública internacional. Parada – sociólogo de profesión – fue secuestrado desde las puertas del Colegio Latinoamericano de Integración mientras dejaba a su hija pequeña. También se detuvo en esa ocasión al profesor Manuel Leonidas Guerrero, dirigente de la Asociación Gremial de Educadores de Chile e inspector del colegio. Otro profesor que intentó resistir el atraco fue baleado a quemarropa. Un día antes, la policía había raptado en plena vía pública a Santiago Nattino Allende, publicista de militancia comunista, argumentando “la vigencia del estado de sitio en la totalidad del país”.

Los tres hombres aparecieron ferozmente degollados el 30 de marzo de 1985 en el camino que une Quilicura con el aeropuerto de Pudahuel. La investigación judicial determinó la participación de Carabineros en el horrendo crimen. Entonces, el mundo entero escuchó estupefacto la explicación del general de Carabineros y golpista de 1973, César Mendoza: “Por algo los habrán degollado pues”. Pocos meses después, este oscuro personaje dejaba su cargo justamente por la tremenda conmoción que provocó el asesinato de los tres profesionales.

A José Manuel Parada le costó la vida trabajar en la Vicaría de la Solidaridad, apoyando a las víctimas de la represión derechista. Dejó 4 hijos, “con quien formaba un grupo hermoso, con un padre aventurero y alegre, un caminante de la vida, capaz de asumir las más duras responsabilidades en su trabajo y de sentirse libre, intensa y verdaderamente libre, en el ejercicio de su creación”. La cita es de María Estela Ortiz, esposa de José Manuel y principal impulsora de la publicación de un libro con los poemas de su esposo, “Pido respeto”, que hoy, a 27años de su desaparición física, llega a mis manos.

Se trata de un hermoso volumen de poemas acompañados por dibujos de Parada y otros de destacados artistas nacionales, como Nemesio Antúnez y Gracia Barros. Fue editado en el mes de mayo de 1986 por Emisión Limitada, en una edición de lujo y otra rústica, con 2 mil ejemplares c/u para distribución. La edición general estuvo a cargo de Héctor Cereceda y María Estela Ortiz, quien en la presentación agrega algunos detalles sobre los textos.

“José Manuel comienza a escribir poemas después del golpe militar. Los hacía tarde en la noche, cuando los niños dormían y siempre me los mostraba preguntando mi opinión. No quería conservarlos; por él, los habría botado. Tampoco quería mostrarlos a otras personas, pues decía que eran muy suyos y muy míos. Tuvimos muchas discusiones al respecto. Me los iba regalando con el compromiso que no los diera a conocer. Tiempo después lo convencí que los pasara en limpio en un solo cuaderno y así se fueron juntando y yo guardando mi pequeño tesoro”, dice Ortiz.

Finalmente, María Estela reconoce haber “roto el compromiso que tuve con él, en relación a los poemas, pues creo que forman parte, al igual que los dibujos, de lo que era José Manuel hombre, político, amante de la vida y de la lucha por los que más sufren”.

En los poemas está el enorme sentir de una generación que se la jugó por completo por un ideal. Parada aporta desde su poética una visión inteligente del mundo, un constante merodeo por las preguntas, por la inquietud de aprender y crecer como persona, siendo mejores con los demás y comprometidos simplemente con vivir en un mundo con justicia.

Se nota además una fuerte presencia de la experiencia histórica que significó la Vicaría de la Solidaridad, donde llegaban cada día cientos de casos de violaciones a los derechos humanos, los que eran archivados y estaban a cargo del sociólogo. Es inevitable no imaginarse al poeta abrumado escribiendo uno de los textos más profundos del libro, “Los hijos del silencio”, tras una extenuante jornada de trabajo en la Vicaría, en contacto diario con la injusticia y la brutalidad impuesta por la Junta Militar.

Oponer a esta violencia la voz de la poesía, fue dejar a José Manuel para siempre vivo en la profunda cavidad de la conciencia, ahí donde su poesía levantó el canto más hermoso de su sinfonía celeste, el canto a la humanidad y al amor que somos capaces de entregar, a pesar del adversario. Un poemario que pone en valor el libre e importante ejercicio de la creación y el derecho de todos a alzar la voz y exigir “respeto”.

A continuación algunos poemas del libro:

TRIÁNGULO

El torturador
no sabe lo que quiere.
El traidor
apenas sabe de qué quiere escapar.
El que resiste
sabe la esperanza del hombre.

El tiempo
es olvidado por el que aplica la tortura.
El pasado
persigue al delator.
El que resiste
camina hacia el futuro.

El más omnipotente con el más indefenso
está ya condenado.
El que entregó a su hermano
está preso en sí mismo para siempre.
El que resiste
ya es parte de la dignidad de la tierra
y de todo lo que vive.

ALGÚN DÍA

La ropa está colgada en los cordeles
vacía está. Sin gente.
Son cáscaras de nuez,
ventana sin morada,
soledad sin reencuentro.
Pero es cuestión de tiempo:
el sol lo seca todo, y entonces
ya mañana
se irá la ropa puesta
a pasear
calle abajo
al rumbo que ella quiera.

EL HAMBRE

El hambre
trae un cerco
callado, silencioso.
No da golpes violentos:
avanza como el tiempo
aprieta desde lejos
y mientras más se acerca
más parece olvidada;
junto a su gran silencio
más habla de la vida
de lo que pudo ser,
hasta el límite extremo
y de los muchos niños
cercenados
presentes.

LOS HIJOS DEL SILENCIO

Si yo tuviera un hijo
le pondría Manuel.
Hubo un obrero que se llamaba así.
Salió de un barrio gris del sur.
Anduvo por el Norte
y publicó un buen diario clandestino.
Cayó en Arica.
Cayó y calló.
Calló y murió.
Es joven y está enterrado
no sé dónde.

Si tuviera una hija, tal vez
le pondría Teresa.
Hubo una mujer
con otro nombre:
no se llamaba así
pero ése era su nombre de combate
y a mí me basta y sobra en este día.
Apareció
en una playa, masacrada.
Fue torturada hasta el extremo.
Yo sólo sé
que camina hoy mucha gente en la calle
por su ejemplar silencio.

Puedo seguir así hasta el infinito.
Sus silencios
son gritos de exigencia
y sus muertes
cimientos de la vida:
mi alegría
será mi pena siempre
si yo tuviera un hijo.

Histórica fotografía de la vigilia de la familia de Jose Manuel Parada, ante la desaparición de su hijo, hermano, padre y compañero. Finalmente, se hizo justicia en este crimen y seis uniformados cumplen actualmente cadena perpetua. Para más información, buscar en la red “Caso degollados”.

Modelo de reconstrucción, mercado inmobiliario y ciudadanía. La reacción del gobierno de Sebastián Piñera luego del terremoto de 2010 no sólo ha sido cuestionada por su falta de prolijidad y oportunidad, sino además por su carácter mercantilista. En esta línea los profesionales Patricia Boyco Chioino y Francisco Letelier Troncoso nos presentan una mirada ciudadana de este proceso.

Tras el terremoto del 27 de febrero de 2010, el modelo de reconstrucción que se ha venido a instalar sobre la Talca histórica no apunta a reconstruirla, sino a incorporarla en las dinámicas del mercado inmobiliario. Sin institucionalidad ni políticas específicas, con las mismas capacidades de gestión de tiempos normales, con una municipalidad completamente sobrepasada y ausente y un Plan Maestro de Reconstrucción entregado a un grupo inmobiliario de Santiago, sólo dos cosas parecen importar: incorporar un nuevo stock de suelo urbano a la actividad inmobiliaria, y vincular la demanda de vivienda a la oferta de vivienda barata.

Para las familias damnificadas, atrás queda la ciudad compartida que habían aprendido a sentir como propia.

Área de publicación
Santiago de Chile: Ediciones SUR, 2011
Descripción
Archivo PDF con compresión; 3,59 Mb; Páginas 92
Colección
Colección Intervenciones en la Ciudad

Entre el 3 y el 7 de abril se realizará en distintos escenarios de la ciudad este encuentro internacional que considera conciertos, clínicas, conferencias y actividades de luthería.

Charangos del Mundo es una organización cultural sin fines de lucro, inscrita en Madrid y con 7 años de vida en la producción de eventos en el mundo musical y académico, en torno al charango.

Este año, junto al Municipio de Valparaíso, el Consejo Nacional de la Cultura, la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (Instituto de Música), la Facultad de Artes de la Universidad de Playa Ancha, el Sr. Thelmo Aguilar, Gestor Cultural y creador del programa radial “Dimensión Latinoamericana”, la Escuela Moderna de Música de Viña del Mar, y el apoyo incondicional del periodista Absalón Opazo Moreno, del lutier Eduardo Cornejo Miranda, y de los músicos Danilo Toledo, Fabián Durán, Camilo Gómez Gambón, Luis Alberto Jimenez, Nelson Vinot y Soledad Opazo Lazcano, y de cada uno de los participantes que hacen posible este hecho cultural, se llevará a cabo el VII Festival Internacional Charangos del Mundo Chile 2012.

Este evento está dirigido a: músicos, compositores, intérpretes, trabajadores e investigadores de las áreas de arte y estética, sociología, historia, antropología, etnomusicología, estudiantes y luthieres de charango e instrumentos antiguos latinoamericanos .

Baje el programa: RESUMEN PRENSA final